En la época de Mortier podemos citar además como exitosas las dos producciones de Wagner, Tristan que agotó entradas, y un Lohengrin musicalmente bien acogido. El Così fan Tutte podrá haber tenido todas las reservas musicales que se hubieran querido, pero también agotó entradas y la sola dirección de escena de Michael Haneke lo convirtió en un gran éxito.

Desgraciadamente, el público no conectó con una obra maestra como San Francisco de Asís, en la que en mi opinión, sacarla del Real la perjudicó más que la benefició, además de que Mortier tenía demasiada fe en que el público del Real fuera a responder como el de la Ruhrtriennale. El nivel artístico fue muy alto.

Tampoco olvidemos que Mahagonny fue un éxito artístico, que llegó en alguna ocasión a colgar el cartel de no hay billetes.

Cierto es que Alceste y Don Giovanni no fueron los mejores, tampoco el Macbeth, aunque yo sí los disfruté en algún que otro aspecto, que los Cuentos de Hoffmann fueron muy aburridos. O que en títulos Król Roger o The Indian Queen tuvieron alto nivel artístico, mas no eran las más populares entre el público. Que el Moses und Aron fue el mejor de los últimos 20 años, pero es cierto que no es muy popular esta obra. Que la Elektra de 2011 tuvo un excelente director orquestal y un reparto con algunas voces destacables. Por no hablar de que nos metió con embudo el experimento de la Abramovic y el recital de Antony que llenaron el teatro. Y hay que recordar que las versiones en concierto, como Los Pescadores de Perlas y el Devereux con Gruberova, llevaron al público al delirio, con independencia de si el nivel artístico fue sobresaliente o no (yo encantado de ver a Flórez y Gruberova, recuerdo mucho esas funciones).

Recordemos que Brokeback Mountain y The Perfect American no fueron tan abucheadas por el público como los estrenos españoles, sin ser tampoco estas óperas "estadounidenses" más que obritas para pasar una velada.

Entiendo que el público del Real no sintonizase con los gustos de Mortier, que éste tenía un desprecio por el belcanto (tan admirado por el público de Madrid) que yo no podía compartir y que su idea de la ópera como un completo espectáculo musical y reflexivo, amante de la vanguardia, en un público del que aún hay gente que concibe la ópera como un espectáculo para ver al divo x o y, y oír la música que más le gusta (respetable y que también comparto), no iba a ser recibido con entusiasmo.

Pero reducir los éxitos (incluyo los de público) de Mortier a una sola producción me parece simplista, señor Tunner, y lo sabe. Aunque entiendo que usted y yo veamos esa época desde dos prismas completamente diferentes.

Un saludo al amigo Zacarías, del que hacía tiempo que no sabía nada y me gusta saber que está por aquí.

Dicho esto, espero ver Lear. Tengo cosas alrededor que me hacen dudar de ello. En cambio, ardo en deseos de ver la Pasajera, la cual tengo en abono.

Muy buen análisis de la etapa de Mortier con la cual coincido, se le ha olvidado la presencia de Muti.
Creo que fue un revulsivo , una catarsis debido que ha sido el único director no nacido en España , lo que motivó un ataque furibundo de la crítica local, que salvo honrosas excepciones no han salido de las fronteras.
Acostumbrados a asistir gratis a los estrenos locales y mucha escucha de discos y visualización de DVD.
También le pilló el terrible recorte presupuestario de la época del ministro Wert, gracias a la buena labor de Gregorio Marañón ha logrado crear un aporte de dinero privado que entonces no existía.
Matabosch lleva como director más del doble de tiempo que estuvo Mortier y no ha logrado que el belcanto logre una producción decente y siguen siendo las mejores producciones las de óperas del siglo XX, que rechazan gran parte de este foro.
Posiblemente el cambio de Tunner , que dice es debido a su inteligencia si no llega a venir Mortier seguiría anclado donde estaba hace 14 años.

Descanse en paz el señor Mortier, pero a mí me parece que quién se ha quedado anclado donde estaba hace 14 años, no es precisamente el señor Tunner...

La verdad es que yo echaba de menos a don Zacas tanto como a Mortier . Su último comentario, de hecho (el de don Zacas, claro, no el de Mortier), sólo viene a dar más argumentos (por si hicieran falta) para reafirmarme en dicha impresión: la misma altanería de siempre, idéntico snobismo, cosmopolitismo de guardarropía para atacar un supuesto casticismo de la crítica musical que no sé si ha sido real alguna vez, enorme ego (ha dicho que el interés de Tunner por la ópera contemporánea se debe a la influencia de Mortier pero, en el fondo, estaba pensando en él mismo)... Por no hablar de lo sorprendente que resulta ver, en el mismo comentario, una loa a Mortier y otra al incombustible marquesito (que dejó vendido al primero). En fin

En mi caso, y hablando del belga (¡Dios lo tenga en su gloria!) desde luego no se ha cumplido esa máxima que dice: "Otro vendrá que bueno te hará". Mira que tiene cosas criticables Matabosch, ¡pero no el haber sido sustituto de Mortier!

[Por cierto: Saint François d'Assise me pareció un espectáculo excelente, aunque debería haberse interpretado en el teatro].

A ver, Tip: ¿para cuándo tu crónica de Lear...?

¡PELEA DE GATAS EN EL BARRO!
Bitch slap en toda regla, Alexis & Krystle Carrington (¿o quizás Gonerilda & Regania?)

A lo que voy, que yo paso de esas cosas.

Gran éxito de LEAR ayer lunes en Madrid, pese a que en el descanso se notó cierta desbandada. No escandalosa, pero me sirvió al menos para mejorar mi visibilidad en un par de categorías de butaca.

Dado que mis entendederas musicales no llegan a profundizar en la ópera contemporánea, daré mis impresiones como aficionadito. Es una música yo diría que heredera del dodecafonismo, brutal, muy brusca, con muchos golpes, cobrando mucha fuerza los metales y la percusión. Pero todo como muy arropado, con mucha carga cromática, lo que hace que sin que existan melodías a la antigua usanza se genere una armonía general y, sobre todo, hace funcionar tanto los pasajes más violentos como los más íntimos. ¿Te has enterado de algo? Yo tampoco, pero me entiendo. El libreto es de una eficacia máxima: condensa el tragedión de cinco actos de Shakespeare en dos partes sin perder un ápice de su intensidad dramática y, al igual que la música, soluciona a la perfección los distintos momentos. Es una ópera que no da tregua.
La primera parte se puede hacer un poco durita, pero la segunda es una maravilla.

Leo en el programa de mano y en una crítica de prensa algo sobre el uso de clusters en esta ópera. Desconocimiento absoluto. Le pregunto a un profesional de la música. Me contesta por Whatsapp: "Racimos de notas", muchas notas al mismo tiempo. Si pones el antebrazo en el teclado del piano estás haciendo un cluster.
Entendido pues lo de los cluster y apabullantes los de este Lear.

A todo esto, llamar contemporánea a una obra compuesta hace medio siglo... bueno, en fin.

¿Y qué tenemos para hacer funcionar esta producción? Una orquesta a todo trapo con una fuerza y una precisión tales que consiguen que todos esos clusters, esos golpes, esa sobresaturación musical, queden perfectamente ordenados y no se conviertan en ruido. En serio, maravillosa.

Además, muy bien elegidos los intérpretes.
Skovhus da perfecto para el rol de Lear. Es que le va vocalmente y además hace una creación actoral sobecogedora.
Andrew Watts, Edgar. Por favor, qué maravilla, qué forma de cambiar de baritenor a contratenor haciendo sobresalientes las dos partes de su personaje. Y la interpretación de diez.
Angeles Blancas, Goneril ¡Toma ya! En serio yo pensaba que estaba semirretirada o con problemas graves de voz porque hacía lustros que no sabía nada de ella. Pues resulta que le han dado un premio Opera XXI la semana pasada y aparece aquí como si tal cosa en un estado vocal soberbio y con la fuerza y garra de siempre, dominando una tesitura no ya inclemente, sino asesina. Para quitarse el sombrero.
Susanne Elmark, Cordelia. Aunando dulzura con intensidad dramática, voz bella y penetrante.
Muy destacable el resto del reparto pero, de verdad, con estos cuatro de arriba ya merece la pena ir a ver la ópera.

Producción de Calixto Bieito con un decorado árido, áspero, desolador, ideal para esta tragedia. Unos tablones móviles y efectos de luz son suficientes.
Bieito es un gran director teatral. Se le tiene mucha manía porque el público operístico tiende a ser muy tradicional e inmovilista (cielos, no, los candelabros de Tosca otra vez no) y a él le da (o le daba) por poner pinceladas provocadoras como revulsivo. Aquí está al servicio de la tragedia y cumple. Todos los personajes están definidos y bien desarrollados. Y de Goneril, Lear y Edgar hace auténticas creaciones.

Ah, sí, lo del hombre desnudo. ¿Es que no veis que es un homenaje al cartel de la Semana Santa de Sevilla de este año?
(Sí, es la "pincelada" Bieito marca de la casa)

No hay grandes comentarios sociales. Mis excompañeras de butaca de turno de abono, las alborotadoras que se cambiaban tres veces de butaca antes de comenzar las funciones se han ido, ya juntas, a mejor butaca, que las vi justo debajo de un conocido forero de aquí. Tuve al lado al "hombre en diagonal". Estuvo inclinado hacia delante durante toda la ópera (porque también se cambió de sitio a mi lado en la segunda parte). Un incordio imagino para los de la fila de atrás pero no protestaron.

Público educado y casi sin toses, pese a la alta incidencia de afecciones respiratorias que asoló Madrid en las últimas semanas.
Se las deben guardar para los Verdis.

En resumen, que si podéis, vayáis.
Es un operón rotundo.

He tenido que buscar el dato, la verdad, porque no sabía quienes eran estas señoronas...

Jaaajajajaja, es que esas son "contemporáneas" mías, como la ópera Lear.

¡Joven!

Y pensar que Verdi no se atrevió a componer "Il Re Lear" en toda su larga vida porque le parecía demasiado tremenda. Y viejo, le confesó a un periodista por qué: la escena de la tormenta, dijo cerrando los ojos, "me aterrorizó".

¡Qué agradable sorpresa encontrar este LEAR, sin duda una de las mejores óperas compuestas en los últimos 50 años! Reimann consigue poner su partitura siempre al servicio del drama (de forma que uno contempla la representación como un todo, sin tener por qué centrarse necesariamente en el canto). Me sorprendió gratamente la orquestación: la orquesta es inmensa; pero, sin embargo, rara vez se emplea entera. En su lugar, el autor trabaja sobre pequeños conjuntos camerísticos, que permiten una gama tímbrica verdaderante fascinante. También, en una obra que se aleja de lo tonal; sorprende encontrar pasajes de claro lirismo (como el aria de Edgar, bellísima, o varias intervenciones de Lear cuanto más nos acercamos al final: no sin razón esta ópera estuvo pensada para el mejor barítono del siglo XX) y hasta el frecuente uso del parlato como recurso expresivo, que funciona maravillosamente. Diría que hasta me ha parecido musicalmente bastante más accesible que otras obras más famosas que se enclavan en este estilo musical; y quizá sea una buena puerta de entrada a este mundo para los melómanos más curiosos o reticentes.
El libreto logra condensar bien en menos de tres horas una de las obras más complejas e inasibles del Bardo, cortando personajes y simplificando situaciones; en una historia en la que reinan la codicia y la violencia. Hay muy poco espacio para el amor en Rey Lear (ni siquiera el protagonista me parece digno de compasión con la obra en la mano... se arma la que se arma sencilamente por una orden suya para saber "cuál me quiere más": vamos, es un egoísta y recibe su castigo; y la pobre Cordelia pues es una boba digna de compasión que anda por ahí...
Por la crudeza y aridez de su argumento, este estilo musical conviene mucho a esta obra (no me imagino qué hubiese podido hacer Verdi con una versión más lírica y considerando que Cordelia, de largo la menos interesante de las tres hijas, es protagonista y Goneril y Reagan secundarias... No hubiese funcionado, con razón no pudo con ella).
La sensación es la de ver un todo, un DRAMA PER MUSICA en el más estricto sentido de la palabra: por momentos llegué a olvidarme del canto como elemento central para concentrarme en el espectáculo teatral global. Quizá el belcanto o Verdi sean mejores para escuchar en casa, quizá nunca me pondría un cd de Lear en casa; pero creo que para ver en teatro hoy por hoy, sentado durante tres horas y manteniendo la atención, me ofrece mucho más una ópera de este tipo que un Verdi.. Para ello, claro, es indispensable contar con una puesta en escena plagada de fuerza teatral, al servicio de la historia: aquí la hubo.
Con pocos elementos escénicos y profundizando en un trabajo actoral brutal Calixto Bieito sabe cómo contar la historia sin que la violencia extrema llegue a resultar nunca cómica por sobrecargada (como sucedía en su KINGDOM, sobre los reyes shakesperianos, de hace un par de años) ni sin incidir en la necesidad de una dramaturgia paralela. Funciona, y quizá la escenografía (muy básica y con ese efecto de descomposición progresiva del espacio que recuerda a otras producciones, como Die Walküre de Lepage en el Met, de modo menos logrado aquí) sea lo menos interesante. A cambio, el trabajo actoral y la entrega de todos es brutal: los agarrones de Ángeles Blancas y Erika Sunnegardh como las hijas perversas con todo aquel al que se enfrentan son de antología; el bufón sencillamente se sale... y Bo Skovhus, que, tras 30 años de carrera gloriosa, hace una creación comprometidísima a nivel escénico: en lo emocional, en lo gestual y en lo físico (se pasa la mitad de la función en calzoncillos manchados). El resultado es una función teatral de alto, alto voltaje; que creo que debe contar por fuerza con el compromiso de todo un elenco enorme (14 solistas) y que uno no puede abordar con cualquier cantante. Teatro del bueno, que me enganchó por completo.
Cohesionado el amplio elenco. Bo Skovhus (tan denostado en este foro y que a mí, después de haberle escuchado cinco roles en directo, nunca me ha parecido mal cantante) encuentra en este personaje un vehículo de lucimiento indiscutible. Se entrega por completo, lo da todo y resulta magnético: con razón ha hecho de este personaje su caballo de batalla. Arrolladora la Goneril de Ángeles Blancas, poderosa en lo vocal y una fiera sobre el escenario. Se roba cada escena, arrolla con todo sin poder evitarlo. Más discreta en lo vocal pero también muy convincente en lo escénico la Reagan de Erika Sunnegardh; y quizá esperaba más de Susanne Elmark como Cordelia, por el tipo de roles que aborda: me pareció que la voz sonaba algo apagada y que el rol en sí mismo quedaba algo deslucido al lado de lo de sus hermanas.
Entre los hombres, deslumbrantes trabajos de Andreas Conrad como Edmund (en un papel de una exigencia vocal tremebunda), Andrew Watts como Edgar (buena proyección para un contratenor y buena línea vocal en el personaje más lírico de la obra) Kor-Jan Duseljee como Kent y los muy sonoros Lauri Vasar en Gloucester y Derek Welton en Albany. Más que complidores los demás, destacando el bufón de Ernst Alisch en una creación espectacular; y señalando la entrega de todos para llevar adelante un montaje físicamente muy exigente.
Deslumbrante labor en el foso de Asher Fisch al frente de una Orquesta del Real que parecía otra en una partitura exigentísima. No desmerecieron, como tampoco lo hizo un coro que tiene que hacer más de lo que parece a simple vista.
Entrada razonable, pocas deserciones en la pausa (la función dura 3 horas) y respuesta bastante cálida para una obra de estas características.
Creo sinceramente que es una función sin fisuras, de una obra muy interesante que merece mayor reconocimiento y que no vamos a poder ver de nuevo en bastante tiempo. Si tienen ocasión de asistir, yo no me la perdería. A mí me ha abierto una puerta importante a otro modo de entender la ópera y me ha hecho empezar a entender por qué en teatro conecto más con esto que con otras obras de corte más clásico. Toda una experiencia.

Poco se sabe de la versión del compositor Henry Litolff que se estrenó en el año 1890 e intitulada Le Roi Lear.

Por la época de composición, debería ser más orecchiabile que la que nos ocupa.

Estoy convencido de que Verdi no hubiese sido capaz de hacer justicia a una obra tan negra. Hubiese introducido melodías líricas, cantabiles y quizá hubiese revestido a un personaje bastante abyecto y despreciable como Lear de una dignidad de la que el personaje, en principio, carece... el mero hecho de que considerase que Cordelia es más protagónica que Reagan y Goneril ya es una señal de que algo no iba a funcionar.
Esta obra (la de Shakespeare) pide a gritos otro tipo de lenguaje más agresivo. La partitura de Reimann sirve bien a la obra; pero, puestos a pensar en otras opciones, me da curiosidad pensar cómo lo hubiesen planteado autores como el Puccini tardío o Britten. Sobre el papel, desde luego, en principio más adecuados que Verdi para musicar esta historia en la que no caben ni el lirismo ni el amor.

Ojo, que no hace falta golpear al público de manera inmisericorde con una orquesta elefantiásica, reiterados tutti, atormentados melismas dodecafónicos y una partitura llena de vocalidades extremas para crear atmósferas irrespirables y criaturas abyectas y despreciables. Ahí están el personaje de Iago, lo tétrico de I due Foscari, o la oscuridad de Macbeth para demostrarlo. Seguramente Verdi habría hecho gala de menos alharacas, pero el resultado terminaría siendo seguramente muy satisfactorio.

No olvidemos que las intervenciones de Cordelia, muy especialmente en la segunda parte de la obra, sí que son muy líricas y de gran belleza. De hecho son un remanso de paz en medio de una obra tan violenta. Tanto Verdi como Puccini habrían compuesto para ella alguna página de elevado lirismo. Por cierto, que tanto en la primera parte como en la segunda, aprecié un leit motiv que me recordaba al famoso acorde de Tristán, especialmente a como se desarrolla cuando Tristán e Isolda han bebido el filtro y, todavía estáticos y confusos, están a punto de caer rendidos de amor. Muy acertada la apreciación de Tunner respecto a la relación con la música de Wozzeck. A mí también me apasiona Wozzeck y creo que eso me ayudó a disfrutar de la música de Reimann, a pesar de lo desagradable que se me hace el argumento y la trama.

Después de escuchar en Youtube la obra, creo que iré a la función del 14 de febrero, aprovechando que no estoy enamorado. La crónica no creo que pueda tenerla antes del día 30 de ese mes. Quizás para el 28 de diciembre.