Ópera de Vincenzo Bellini con libreto de Felice Romani. Solistas: Yolanda Auyanet, Francesco de Muro, Raffaella Lupinacci, Rubén Amoretti, Mireia Pintó, Néstor Galván. Producción del Teatro Regio de Parma, Teatro Municipale de Piacenza y Teatro Comunale de Módena. Escenografía: Andrea Belli. Vestuario: Valeria Donata Betella. Iluminación: Marco Giusti. Dirección de escena: Nicola Berloffa. Coro del Teatro de la Maestranza. Real Orquesta Sinfónica de Sevilla. Dirección musical: Yves Abel. Lugar: Teatro de la Maestranza. Fecha: Domingo, 12 de noviembre. Aforo: Casi lleno.

Cuenta Louise Hérrite que su madre, Pauline Viardot, tras varios días inconsciente sólo pronunció una palabra antes de expirar: "¡Norma!". Debieron volver a su memoria aquellos momentos en que en Granada debutó este papel, tan dramático para una joven de veintidós años y en el que siempre temió la comparación con su hermana, la trágicamente desaparecida María Malibrán, la Norma de referencia mientras vivió. Viardot no frecuentó demasiado el personaje, que quizá ponía en juego demasiados sentimientos. Pero allí se mantuvo en su memoria, agazapada, la sacerdotisa de Irminsul, para volver como postrer recuerdo.

Cada vez que volvemos sobre esta ópera sucede lo mismo: sobrecogimiento, estupefacción ante el despliegue musical, emoción por lo extremo de las situaciones. Es una de esas ocasiones en que se conjugan un libreto de sin par belleza poética con una música de un nivel de inspiración irrepetible. No es de extrañar, pues, que con los cantantes adecuados, sea un éxito seguro en cualquier teatro.En un principio, si nos atenemos exclusivamente a la literalidad del libreto (hipotexto), puede chocar el que se hable de romanos, galos, sacerdotisas y druidas mientras que contemplamos una escena ambientada en el siglo XIX, con polisones, crinolinas, charreteras y bersaglieri. Pero Nicola Berloffa ha querido superar esa literalidad y mirar el drama con los ojos de quienes lo vieron en la época de su estreno, desde la perspectiva de una Italia que anhela su unidad y su independencia de fuerzas opresoras. Adquiere así sentido este segundo plano de significación (hipertexto), estableciéndose así una serie de interesantes relaciones de intertextualidad que dan coherencia a la propuesta escénica, con ese palacio renacentista bombardeado y esos italianos suspirando por expulsar a los invasores de la tierra patria. Con la ayuda de un soberbio vestuario y una iluminación muy corpórea (bellos efectos de sombras, luz filtrada por las ventanas apuntaladas) y con una dirección de actores muy cuidada, esta Norma se hace más actual que nunca. Máxime con ese final aún más trágico, en el que la muerte en la hoguera de Norma y Pollione es sustituida por la furia vengadora del pueblo, a modo de Euménides vindicadoras.
Yves Abel ya demostró hace un año, con Roberto Devereux, que conoce al detalle todos los resortes estilísticos del belcantismo. Todo ello ha sido superado en esta ocasión, pues ha sabido dotar de dramatismo al tejido orquestal en los momentos extremos sin por ello llegar nunca a tapar a las voces; ha cantado y respirado con los cantantes; ha sostenido tiempos vivos y vibrantes, sin blanduras ni amaneramientos; ha hecho que la ROSS suene con una finura y una transparencia poco usadas. Magistral, en resumen.

De las tres últimas comparecencias en Sevilla de Yolanda Auyanet en el último año (Roberto Devereux, Tosca y esta Norma), ha sido ésta la más redonda. Con su bella voz plenamente lírica, ha construído vocalmente un personaje esencialmente roto por el dolor en el que el amor (a Pollione y a sus hijos) supera el afán de venganza. Con delicado fraseo y centro dorado, esquivó con gusto las notas más comprometidas por arriba (alguna sonó algo forzada) y por abajo. Su canto siempre sobre el aliento le hizo dar una bella lección de declamación vocal en Casta diva, pero también sostener con control el dramatismo del inicio del segundo acto. Los más bellos momentos fueron su duós con una Raffaella Lupinacci todo terciopelo en una voz sombreada de emisión clara y un legato admirable, delicado y capaz de reguladores de un gusto elegante. Sin olvidar su facilidad para la coloratura (aunque tanto en ella como en Auyanet se echaron de menos algunas variaciones en las repeticiones de las cabaletas). El triángulo se completó con un Francesco de Muro todo lirismo y fuerza en el fraseo, con perfecta proyección y con sólidos agudos, como lo demostró en el largamente sostenido La natural sobre gl’incensi y en el rutilante Si bemol en abbaterò. El Oroveso de Amoretti sonó tremolante y hueco, mientras que Galván sorprendió por el empaque de su voz. Eficaz y profesional Pintó. Y un nuevo éxito del espléndido y contundente coro, que pasa por un momento especialmente dorado bajo la dirección de Íñigo Sampil.

El llamado “cast joven” estuvo a la altura del primero e incluso en algunas cuestiones se situó por encima. Berna Perles, por voz y por carácter interpretativo, se escoró más hacia el perfil dramático del personaje de Norma. La voz es más central, con mayor riqueza de armónicos, con contundencia en la zona grave y con una acentuación plena de dramatismo. Su amplitud de fiato le permitió brillar en largas frases, a la vez que no se echó atrás ante los pasajes de coloratura. Pero donde estuvo maravillosa fue en todo el segundo acto y, especialmente, en toda la escena final, con un conmovedor ruego al padre para cuidar a sus hijos. El tenor libanés Joseph Dahdah es un buen tenor lírico, pero al que le falta un punto de squillo en los momentos de mayor exigencia en los agudos, como en su primera intervención en el primer acto. Pero en el final del segundo acto resultó plenamente convincente. La joven mezzosoprano colombiana Andrea Niño cantó con un enorme gusto, con un legato muy sensible y con una voz de timbre muy redondeado, de un color dorado de gran belleza tímbrica. Su fraseo estuvo muy cuidado en todos los momentos, sobre todo en las escenas con Berna Perles. En este cast pudimos escuchar a Luis López Navarro, un Oroveso comme il faut, de voz firme, bien proyectada, flexible y autoritaria. Sin llegar a las cotas de dominio del belcantismo de Yves Abel, el joven director Pedro Bartolomé dirigió con mucho gusto.

Pues el agudo en la aria Meco all´altar di Venere es un do4.

Una la natural lo daría cualquier tenor, cuando las constante ha sido que casi todos pasan de largo éste agudo en escena.

Gracias por las crónicas sevillanas.