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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 12:43 
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Día 30 de octubre, domingo, empezando ya por fin a refrescar, cambio de hora y procesión de foreros mediante (hola hola hola), entrada sin visibilidad pero que con un apañejo cuasi intrusivo pude ver casi al 100% y bastante cerca la ópera.

Anna Netrebko, triunfadora con motivos y razones.
Su voz desde hace unos años tiene ya un toque oscuro que hace temer que no pueda matizar, pero de eso nada, monada.
La voz es carnosa, suave (mórbida, como los famosos visillos), envolvente, segura, con volumen. Un gustazo. Desde que abre la boca es la reina de la función. Y puede apianar, modular, dominarla perfectamente.
Como ya han dicho arriba, se marcó un O patria mia de muchos, muchos quilates.
Con su edad imagino que pronto empezarán las oscilaciones, pero de momento ole por ella.

Jorge de León cumplió con creces. Parece que se quiso poner las pilas para estar a la altura de Anna.
Ya sabemos cómo canta: todo en forte y con cierto estrangulamiento en el agudo.
Ayer desde luego comenzó soltando un calderón eterno en el Celeste Aida y luego salvo algún apuro arriba, mantuvo el tipo.
Además, empastaba muy bien con la Netrebka.
Me ha gustado más de Radamès que las dos últimas veces que lo he visto en el Teatro de la Zarzuela.

Ketevan Kemoklidze no tiene el tipo de voz adecuado para Amneris, le falta consistencia en el grave. Sin embargo es inteligente y lleva el personaje a su terreno, luciéndose en los agudos y, sobre todo, con una pronunciación y un fraseo de quitarse el sombrero. Todo ella era intención y lo que le faltaba de peso vocal en su gran escena del último acto lo compensó con una interpretación memorable.

Muy bien, me gustó el contundente Amonasro de Gevorg Hakobyan, quizás un poco falto de madurez interpretativa.

Simón Orfila se lució como Ramfis.

Y el único punto negro fue el rey de Deyan Vatchkov, oscilante e inseguro.

Luisotti se lo pasó bomba y nos lo hizo pasar en grande a todos, desde los momentos más chundachunda a los más intimistas, con un inicio y final muy adecuados.
Y el coro en su buen nivel habitual, ¿por qué no les hicieron saludar al final?

La producción es "fantasía egipcia".
Tiene todo lo que tiene que tener una Aida: pirámide, obelisco, caretas de lobo, señores calvos, brillos y dorados.
Digamos que es una recreación tradicional peeeeeero sin intención de ser realista o historicista. Es una fantasía.
Afortunadamente muy lejos del cartón piedra de maestro fallero típico del Met.
Uso y abuso de proyecciones en el fondo del escenario y, las más molestas, en la gasa de proscenio.
Que estaban bien en las transiciones entre escenas, vale, le daban un aire muy dinámico y espectacular, pero una vez que nos hemos metido en harina, por favor, fuera, que se acabaron casi cargando el final de la ópera.
Y es que Aida por mucha monumentalidad que tenga en esencia es una obra muy contenida. Salvo la marcha triunfal casi todas las escenas reflejan momentos bastante íntimos de los personajes, es casi una sucesión de dúos.
El vestuario, fastuoso.
Y la coreografía, pues mira, no me gustó, pero me dio bastante igual.
Me ha gustado, ya que la última vez no la pude disfrutar porque hubo huelga por el 8 de marzo y sí, se representó la ópera, pero con un único decorado, sin cambios de escena o de vestuario, sin figurantes ni ballet.
Y en la de la temporada 97/98 recuerdo a Leona Mitchell mayorcita y a un espantosito Walter Fraccaro, pero no me suena para nada lo de las proyecciones.

Lo dicho, muy buena Aida y oye, si encuentras entrada para alguna de las funciones de Netrebko, muy recomendable.

Me he quedado con ganas (por curiosidad morbosa) de escuchar a Yusif, pero estaría eligiendo chaquetas de colores con estampados imposibles en AliExpress.

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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 13:16 
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Un par de cositas:

Siendo la primera de las dos únicas funciones que iba a cantar Netrebko (aunque luego se han ampliado) me esperaba un público ruidoso, hortera y poco educado.
Nada de eso. Exceptuando un pifostio monumental con gente saltando de fila por encima de las butacas al principio de la ópera (es verdad también que el Teatro Real no se caracteriza por la facilidad para encontrar tu asiento), el respetable estuvo atento, respetuoso y silencioso.
¡Nada que ver con aquel espanto de público de Lakmé que hizo que pareciera una feria!

Y sobre el cartón piedra, que se ha comentado en otro lado.
Los telones de Metres Cabanes del Liceo son una maravilla, y ganan muchísimo en directo con la iluminación.
Yo llamo cartón piedra a los mamotretos falleros estáticos tipo Met.

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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 14:53 
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Función del domingo, 30 de octubre 2022

Cuando se anunciaba por vez primera el programa completo de la temporada, títulos, fechas e intérpretes, sólo teníamos dos funciones dentro de las muchas designadas para "Aida" entre octubre y noviembre en las que Anna Netrebko encarnaría el role capital. Al final, desconozco fruto de qué o qué no, el caso es que va a cantar cinco veces, lo cual visto el resultado de la función de ayer, es una extraordinaria noticia para el respetable madrileño: tendrá tres oportunidades más de disfrutar de toda una lección magistral de canto verdiano. De esa magia vocal, de esos milagros sonoros propios de voces y talentos que muchos tenemos asumidos que hemos de ir a nuestras colecciones de grabaciones históricas para saborear.

Afortunadamente, de excepciones viven las reglas, y Anna Netrebko lo ha demostrado. Es uno de esos casos en los que el cantante es además personaje, portada de revista, caché futbolístico, imagen cuidada y marketing siempre oportunamente desplegado. Ingredientes todos que de partida no empatizan nunca con el aficionado tradicional de ópera. Pero nuevamente corremos una excepción con la cantante rusa, quien por traer, hasta aporta ucranianos manifestándose en la puerta del recinto contrarios a su notoriedad y presencia motivada por su nacionalidad, pero que dentro del escenario ya exenta fotos, artículos, prejuicios y prolegómenos, se enfrenta a toda una ópera verdiana y un papel tremendo ante el cual no valen ni trucos ni excusas, tan solo voz, arte y maestría. Y esta cantante tiene todo ello. El público quedó petrificado ante la auténtica exhibición de filados, fraseos aterciopelados pero audibles hasta en la calle Mayor y ejecutados a través de fiatos que parecían nunca tener fin. El "O patria mia" no dio tregua a una tras otra maravilla vocal, cuando no era un imposible técnico, era un grave riquísimo, o una sentencia cargada del mejor teatro lírico.

Verdi. Verdi en vena. De ese que es el que a alguno nos ha motivado a "re-abonarnos" varios años después de haber hecho una pausa, aunque sea con un “semi-abono”, ya apenas nos motivaba nada inversión en tiempo o dinero. Escuchar a la Netrebko cantar ya amortiza toda la inversión por una temporada. Esa subida al agudo de “O patria mia” sin tomar respiración es uno de esos momentos de delicia lírica que uno enfrascará para siempre, de esos que te llevas no más de un puñado a la tumba y que te quiten lo bailado. Auténtico milagro de una super heroína del canto. El público se levantaba una y otra vez en los solos de la “Aida” con braveos y ovaciones sentidas, de esas que manan del inigualable sentimiento que provoca la ópera de toda la vida cuando se persona ante ti una bestia del canto lírico: no braveas tú, no haces por bravear, si no que tu corazón y alma los hacen salir por ti. Bravísima, Anna. Los bises que ahora son casi un uso y costumbre en el Real, no se produjeron en esta ocasión, pese a que fue infinitamente mayor la sonoridad y longitud de las ovaciones que en las veces que sí han tenido lugar una repetición. Pero hasta en eso Netrebko acentúa su arte dejando en única su intervención, me gusta.

Un contrato con una super star como Anna debe comprender decenas de páginas rellenas de lenguaje de imagen, derechos o condiciones entre las cuales es harto probable que esté que su marido tenor Yusif Eyvazov sea parte del cast a contratar. Si no me equivoco, es precisamente la función de ayer 30 de hecho la única en la que el role de “Radames” no era interpretado por su marido, si no que lo hizo el tenor tinerfeño Jorge de León. El suyo fue otro gran aporte vocal de la noche. Queda muy atrás, aún más que la soprano dramática, el tenor de fuste, el lírico spinto o simplemente dramático que haga justicia a un “Canio”, “Calaf”, “Andrea Chenier”, “Turiddu”, o varios roles verdianos como “Don Carlo”, “Manrico”, “Alvaro” de la “Forza”, el “Rodolfo” de “Luisa Miller”, no digamos “Otello”, o este “Radames”, son materia de nostalgia. Nos hemos hecho al uso y costumbre ya de rebajarlos todos y ponerlos en manos de tenores líricos a los que en absoluto hay que recriminarles absolutamente nada, justo lo contrario, agradecer el esfuerzo de ejecutar óperas cuyo traje a todos de partida les queda grande pero que con su trabajo y talento tratan de dignificarlos al máximo, aportando no pocas veces destellos canoros. Pero he aquí que nuevamente aparece la excepción en manos de Jorge de León, que otra cosa igual no tendrá mucha, pero tiene esa voz, caudal, brillo y armónicos que apenas alguna vez aterrizaron en el Real desde su reapertura que celebramos en este año su cuarto de siglo, si no que quedaron, en lo que Madrid refiere, en el recinto zarzuelero de la calle Jovellanos. De León es un spinto puro, con brillantez y squillo en los agudos que llenan la caja y aforo, y expone un “Radames” heroico y espectacular. A estas alturas y para estos papeles, materia prima. Firmo, no pido más. Si quiero refinamiento, legato y fraseo, me encierro a escuchar Cd’s de Bergonzi, Gigli o Corelli. En mi opinión, el orden de los factores comienza con la voz y eso ya da mucho, muchísimo, luego ya veremos: “Xavinetas” en la ópera no, por favor. Sucede que es una gozada escuchar un duo final del acto 3 con esa bárbara cabaletta en voces de Netrebko y de León: señores, ¡¡¡les presentamos a Guiseppe Verdi!!!. Eso es cantar Verdi. El público también agradeció y braveó de lo lindo al tenor, quien se mostraba eufórico en los saludos finales. Un trabajo artístico de verdad en un título lírico de esos que son “prueba del algodón”: no engaña.

Interesante la “Amneris” de Ketevan Kemoklidze. Falta un tanto más, un plus más de contundencia vocal para competir al nivel que marcaron el tenor y la soprano. Es precisamente el de “Amneris” mi role dilecto de “Aida”, pero reconozco que es un partitura monstruosa y exigente para una mezzo. Aprobamos a la mezzo georgiana que apunta maneras, y parece aun joven.

El barítono verdiano, tan atractivo en la producción lírica del maestro, deja en el papel del rey etíope “Amonasro” una breve referencia en forma de un dúo con la soprano, eso sí extraordinario, e intervenciones en el segundo acto, incluido el siempre esperado “Suo padre” que viene a ser una especie de test antígeno rápido con un positivo o negativo de saberte ante UN Barítono o un barítono. El armeno Gevorg Hakobyan suena más bien atenorado y plano, ayuno de aristas baritonales. Fue de lo más flojo del reparto, pero no lo más, que fue el “Rey” que encarnó Deyan Vatchkov, una voz que parecía ya completamente destrozada y arañada, incómoda de escucha, pese a que el búlgaro solo tiene 43 años ya cumplidos. No tuvo pues que esforzarse mucho nuestro ilustre Simón Orfila como “Ramfis”, de mayor importancia al final, para mostrar mayores prestaciones en las notas más graves de los pentagramas de los solistas bajos y hacer debida justicia al papel. Y muy, pero que muy bien, los intérpretes del mensajero y la sacerdotisa, que son dos papeles tan cortos como importantes y desagradecidos por su altísimo riesgo: sales, cantas un complicado arioso, en el que bien puedes patinar, y te vas. Reto conseguido por Fabián Lara y Jacquelina Livieri, respectivamente.

Cada vez es más habitual Nicola Luisotti en el Real para las citas verdianas, y que así siga siendo. Es una dirección atenta, con carácter, participativa para con los cantantes e imaginativa cuando toca serlos en los numerosos pasajes orquestales que contiene esta obra. No se le va la mano fruto de éxtasis vocales que provocan concertantes, da rienda suelta al uso y disfrute de momentos íntimos, pianos y todo ello guiando a una muy inspirada orquesta y coro. También el bueno de Luisotti tuvo oportuno y merecido agradecimiento por parte del respetable madrileño.

En cuanto a los aspectos visuales y escénicos, estamos ante una regia “Aida” convencional, colorida, y gustosa de ver. Se espera grandiosidad, ballets, desfiles, figurantes a granel, elementos, y a uno le gusta ver todo ello cuando se expone uno de estos títulos que lo piden, y aquí nos lo han dado. Pero a Hugo de Ana, regista, no le voy a poder ni aprobar por culpa de ese caprichoso e inútil vinilo translúcido omnipresente en toda la ópera con la única excepción de la escena de los desfiles del acto dos. Molesta muchísimo para la visión y disfrute de todo lo que tiene que ver con lo visual, pero añadiré que, lo que es aún peor, también perjudica algo al cantante ya que por muy fino que sea, supone un obstáculo más a vencer por la onda expansiva, de forma gratuita y completamente innecesaria. De hecho, el sonido global de la única escena que se quita el vinilo me pareció más puro, directo y brillante que el resto, y eso que ahí dentro estaba la Netrebko con todo lo que hemos comentado de ella, a base de filado arriba y abajo. Las imágenes que tratan de proyectar en él, tampoco es que sean un punto y aparte en nada: merece y mucho la pena levantarlo en una noche de las citadas excepciones vocales, es decir, una noche excepcional.

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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 16:29 
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Despinetta escribió:
Lo ha subido Anna Netrebko.No precisa loas de nadie. Ella sabe lo que muestra... Y lo que no.
"A falta de pan, buenas son tortas".

¿ con su permiso? :wink:


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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 16:34 
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NICO, gran crónica y una pena que no te prodigues más en temas operofilos. :aplauso:
Gran dupla , si juntamos a Netrebko con Benzema ( es broma ) :lol:


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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 16:49 
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Función del 30 de octubre de 2022.

Aida es una de las óperas más populares de todos los tiempos. Lo es por la belleza de su música, popularizada gracias a su Marcha Triunfal, y lo es por el sambenito de espectacular, ya que tiene las convenciones de la grand opèra que triunfaba todavía cuando se compuso, y que están tan presentes en su obra Don Carlo. Su historia es fascinante desde el inicio, pues nació como voluntad del Jedive de Egipto, Ismail Pachá, un bon vivant quien llevó la ópera al país africano, y que decidió encargarle a un compositor europeo de renombre, una obra para inaugurar la ópera jedival, el primer teatro del género en el continente. Verdi, tras muchas reticencias, aceptó. Y a punto estuvieron Gounod y Wagner de recibir el encargo. El resultado, fue una historia en la que intervinieron Temistocle Solera, libretista habitual de Verdi, y el egiptólogo Auguste Mariette, quien diseñó la costosa y fiel (para la época) puesta en escena. Desde entonces, esta obra siguió un camino de éxito hasta el día de hoy: representada en muchos grandes teatros líricos del mundo, en estadios, incluso por compañías de ópera con mucho despliegue tecnológico que no siempre va a la par con lo musical. Muchos, al pensar en Aida, piensan en grandes coros, pirámides como decorados, elefantes, bailarines, cientos de figurantes. Y ciertamente, eso es parte de esta ópera, pero no la única ni la más importante.

Detrás de esos oropeles hay un triángulo amoroso: tres personas que sufren intensamente por amor. Un amor en el que están involucrados la guerra entre dos naciones antagónicas, y el poder clerical, cuya crítica es recurrente en la obra verdiana. Una, Aida, dividida entre el amor a su patria y el amor por el general que pelea contra ésta. Otra, Amneris, suspicaz, cauta, y atormentada por la certeza de que el hombre que ama no siente lo mismo hacia ella. Y el hombre, Radamés, fiel guerrero de su patria, dividido por el amor que siente hacia la princesa esclava del reino enemigo. Un amor que al menos en vida, no tiene nada de éxito. Y todo ello con una música no solamente bella y espectacular, sino también descriptiva, que en el tercer acto comienza evocando la noche egipcia y hasta su calidez, y con el drama en vena, que lejos de empezar y acabar con los zambombazos de una grand opèra de su tiempo; empieza con un bello preludio de cuerdas y acaba con unas notas finales tranquilas, que unen paz y dolor, en esa unión de coro, y orquesta.

El Teatro Real fue testigo del estreno español de Aida, en diciembre de 1874. En el antiguo Real, se representó muchas veces. No así en el Real moderno: en 1998 se abrió con la producción que ahora está en cartel, con todos los fastos posibles, que demostraban la nueva capacidad técnica del nuevo y reinaugurado teatro. Sin embargo, tuvieron que pasar veinte años, para que volviese al regio coliseo, en 2018, y con la misma producción ya renovada. Quizá para compensar tal ausencia, regresa ahora cuatro años después en su tercera reposición, y como entonces, con tres repartos del más alto nivel musical.

La puesta en escena de Hugo de Ana aparece renovada. En lugar de la famosa pirámide de 1998, ahora se ven proyecciones del Antiguo Egipto, y un enorme obelisco en medio. La ambientación ahora viene sugerida por la iluminación y la animación virtual. Aunque parezca que la animación ayude a recrear el ambiente, el exceso de la misma termina en toda la obra termina por sobrecargar, como en el primer acto o en el cuarto, con tanta proyección de monumentos, incluso de guerreros y de momias danzantes. La famosa escena del templo de Ptah en el primer acto es ejemplo de ello: solo están el obelisco y el suelo arenoso. Todo lo demás son proyecciones que desde arriba dificultan la visión del escenario. La coreografía de Leda Lojodice en esta escena me resulta extraña, con esa danza de momias desprendiéndose de sus vendas. El primer cuadro del segundo acto, es en la primera escena un enorme monolito ricamente decorado, como habitación de Amneris, lo que sumado a las danzas mejor resueltas, le da un toque de lujo exótico bastante convincente. El segundo cuadro es la ya famosa escalinata, que se intuye parte de una pirámide, siendo la parte más espectacular, con una marcha triunfal y un ballet convencionales, cerrándose el cuadro con un desfile de enormes estatuas. El tercer acto es quizá el más logrado, ahora con la pirámide por fin visible, con la noche muy bien recreada, y el obelisco presente. La escena final también está muy bien lograda, con esa rica decoración de jeroglíficos y dioses egipcios en la que será la tumba de la pareja protagonista.

La Orquesta del Teatro Real volvió a estar bajo las órdenes de Nicola Luisotti, quien realizó una dirección quizá más lenta, que el día del estreno. De nuevo los intstrumentos volvieron a sonar bien, especialmente la cuerda en el preludio y en el final, así como la flauta en las danzas y las trompetas en la marcha triunfal, así como en los tutti orquestales del final de los actos segundo, tercero y la escena del juicio. No obstante, en esta ocasión la orquesta acompañaba más que creaba. Un momento inspirado, sin embargo fue el oboe en el O Patria mia. El Coro del Teatro Real volvió a tener una de sus gloriosas noches, tanto en el primer acto con sus tremendos "Guerra, Guerra", como en la marcha triunfal y desde luego el coro masculino en su tétrica escena del juicio del acto cuarto, donde el coro sonó tan estremecedor como amenazante.

Anna Netrebko vuelve a cantar una ópera entera en el Teatro Real desde su gloriosa Tosca el año pasado. Sin embargo, el mundo es hoy diferente. Hay una guerra entre Rusia, su país, cuyo presidente la condecoró, y Ucrania. Netrebko tardó en condenar la guerra, tras una pausa de unos meses, dada su complicada situación como artista favorita del género. Aun así, no le salvó del veto que el Metropolitan Opera de Nueva York sigue teniendo sobre ella, pero volvió a retomar su carrera en Occidente, con tan solo la protesta de la relevante Ópera de Siberia, que en venganza, la vetó por "poco patriótica". Por eso mismo, Madrid es una de las plazas importantes en volver a proyectarla internacionalmente, como con esta Aida de la que de dos previstas ha pasado a cantar cinco funciones. No obstante, en cada una de sus funciones madrileñas, hay ucranianos protestando por sus actuaciones, mostrando una fotografía de su muy poco afortunada aparición junto a un líder separatista de la zona prorrusa de Ucrania.

Como fuere, Netrebko vuelve para deleitar al público de Madrid con uno de sus roles más destacados actualmente, la Aida verdiana. Su voz, ya madura, posee un timbre bello, que se hace notar, aún con impresionantes agudos, y llenando la escena con su dramático temperamento. Ya en el Ritorna Vincitor demostró un canto bellísimo, con un agudo espléndido en el Numi, Pietà, cargado de dramatismo. La voz está ya madura, incluso algo ajada tras cantar roles pesados como Turandot, lo que hace que el vibrato a veces sea un poco incómodo. Sin embargo, su Aida lideró al reparto y estuvo a varios niveles por encima. En el tercer acto estuvo simplemente memorable, primero con un O Patria Mia para el recuerdo, en el que cantó con un timbre bello, potente, melancólico, bien proyectado y con unos agudos, unas notas filadas que llevaron al público al delirio, premiándola con una fortísima ovación al final del aria. En los dúos con Amonasro y Radamés siguió con ese nivel, especialmente en el último, donde su voz sonó con increíble ternura en el dúo con el amado. De nuevo en el final, la soprano rusa volvió a deleitarnos con unos pianissimi, un legato exquisitos desde la etérea frase "Vedi? di morte l'angelo", y luego marcarse un O terra addio igualmente bello y conmovedor.

Su enorme talla artística, que hace que voz y temperamento se unan para perfilar una Aida sufriente, pero de carácter, frente al enfoque más frágil de una Stoyanova en el primer reparto, hizo que al final fuese la más ovacionada, y con justicia, del elenco. Es una suerte que Netrebko cante en Madrid sus grandes roles.

Jorge De León interpreta a Radamés, un rol que ha cantado en los principales escenarios del mundo. La voz sigue siendo potente, pero ya en un estado de evidente madurez. El timbre suena heroico como siempre, pero a veces tiene también algún toque gutural y vociferante, especialmente en los agudos, fruto del desgaste por el repertorio tan potente que ha abarcado. El Celeste Aida fue sin duda vigoroso y cantado a plena voz, aunque no se libró de algún que otro abucheo. Durante el resto de la función se mantuvo así. Tuvo su mejor momento en el tercer acto, cerrándolo con la frase "Sacerdote, io resto a te", cantado de forma espectacular. Luego retomó su buen hacer en el final, con una versión doliente, y convincente, en La Fatal pietra.

Ketevan Kemoklidze
fue una Amneris con bastante volumen y un timbre oscuro, seductor y una entonación bastante dramática, lo que añadió potencia a su gran escena del acto cuarto.

Simón Orfila fue un Ramfis bien cantado, aunque quizá le faltase algo más de enjundia para este rol. No obstante, resolvió muy bien la escena del juicio del acto cuarto.

Gevorg Hakobyan fue una agradable sorpresa como Amonasro. Una voz estupenda, bien cantada, que se dejaba oír por toda la sala y que emanaba autoridad, en parte debido a su timbre más bien rudo.

Los demás intérpretes estuvieron al mismo nivel que los días anteriores. En esta ocasión la sacerdotisa estuvo interpretada por Jacquelina Liveri, quien estuvo igual de bien que Bauzá en el preestreno. Deyan Vatchkov igualmente carente de volumen pese a tener los graves, en el rol del Faraón y muy bien Fabián Lara como el mensajero.

No podía empezar mejor la temporada, que con uno de los títulos más queridos por el público, en una representación bien acogida. En ella, Anna Netrebko demostró por qué es una de las grandes Aidas de hoy.

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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 17:32 
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tucker escribió:
NICO, gran crónica y una pena que no te prodigues más en temas operofilos. :aplauso:
Gran dupla , si juntamos a Netrebko con Benzema ( es broma ) :lol:


;-)

Como digo, han habido algunos años en que se han juntado temas familiares (cambios laborales, crianza de familia numerosa, ... todo bueno pero implica tiempo), con falta de motivación por el programa operistico en sí, que han llevado a servidor a limitar mucho mis apariciones por el teatro. Ahora, digamos que estoy viviendo una segunda juventud como aficionado lírico que espero dure... aunque hoy leyendo en el foro me deprimo un poco cuando leo a uno diciendo que la Netrebko ya con 51 años... madre, si ya con 50 palos estamos para sopitas en buen vino, mal vamos . Aunque siendo honestos, cada vez sucede mas que te metes en un autobus o vagón de metro y miras y te das cuenta que el mas mayor eres tú. Bueno... es lo que hay, que tarde al menos un poco más en llegar el momento que te cedan el sitio para sentar. El día que eso llegue... mal.

Benzema... me da que esto de la lírica lo lleva regular tirando a mal...

Gracias por tus palabhras. Tras una fucnion tan magica como la de ayer, un placer compartir aqui la experiencia.

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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 17:37 
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Salvo que excepcionalmente me pueda escapar para la AIDA del día 5, entre familia , trabajo y coincidencia con los TROVATORE liceisticos, me la van a imposibilitar


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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 18:01 
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Por lo visto ayer fuimos muchos foreros. Yo sólo vi a Yago. O vi a más y como no los conozco...

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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 31 Oct 2022 18:58 
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Qué placer leer tan buenas y cuidadas crónicas de la función de ayer, a la que yo también tuve el gusto de asistir.


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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 01 Nov 2022 13:08 
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Muchas gracias por las crónicas. Estuve también en la función del domingo 30 y concuerdo con lo dicho por pasaelmocho y NICO.

Repetiré, D.m., el próximo domingo día 6; tengo curiosidad por ver qué hace Beczala con el papel de Radamés.


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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 01 Nov 2022 21:23 
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Función del 28 de octubre de 2022

Dados los desmanes y excesos que algunos directores de escena han terminado perpetrando en las óperas de repertorio tradicional viene siendo, cada vez más habitual, que en las reseñas críticas sobre sus representaciones empiecen a leerse tímidos reproches (en otros casos no tan tímidos) para denunciar tal sinrazón; todo ello en base, imagino, al castizo refrán que reza: "lo poco agrada, lo mucho enfada". La cosa ha llegado a tal extremo en nuestros días —aciagos para la lírica en el repertorio tradicional— que lo realmente original ahora ha llegado a ser presenciar alguna función ambientada en el período que pensaron sus autores, hecho que alcanza casi la categoría de revolucionario cuando, además, se usan decorados y trajes de dicha época, y no elementos que trasponen la acción a otra época o lugar, y presentan a los personajes con gabardinas y guardapolvos intemporales.

Pues bien, cuando supe que el Teatro Real recuperaba para este inicio de temporada la tradicional producción que el argentino Hugo de Ana presentó en 1998 (repuesta luego en 2018), pensé que las reseñas se mostrarían más benévolas con la parte escénica e irían dirigidas, sobre todo, hacia la prestación musical y vocal de los diferentes funciones y repartos que van a sucederse durante estos próximas días en el coliseo madrileño (¡hasta 20 representaciones!). Pero nada de eso; de hecho, una buena parte de los popes que hacen crítica musical en nuestro país, hinchados como pavos y mostrándose incluso insultantes, han puesto a parir esta producción recuperada de Aida, acusándola de rancia, anticuada, hortera, demodé y "cartonpiedrista". ¡Ya ven ustedes! Como si las que solemos ver habitualmente —ayunas de cualquier atrezo, pero infladas con la pretenciosidad del dramaturgo escénico de turno, con los personajes tirados por los suelos y actuando en el más absoluto vacio— fueran de cualquier otra cosa que no sea, precisamente, cartón piedra, poliestireno y una enorme fatuidad la mayoría de las veces. Críticos que hasta se han quejado por no reconocer a los cantantes bajo las pelucas y el suntuoso y elaborado vestuario diseñado por De Ana (como si fueran preferibles los uniformes de nazis, o los tradicionales guardapolvos del konzept centroeuropeo). En resumen, pamplineros que, como Rubén Amón, cierran su crónica recordando que este tipo de montajes ya no se utilizan «ni en los teatros más modestos de provincias», y graciosetes como cierto Jean Valjean, que hasta se permite bromear inadecuadamente con el apellido de alguno de los miembros del equipo técnico (caso de la coreógrafa Leda Lojodice, a la que llama "Losjodiste").

Aun reconociendo que la propuesta escénica de De Ana tiene algunos elementos ciertamente mejorables —hablaré de ello un poco más abajo—, debo decir que me satisfizo plenamente; primero porque, como ya he dicho, resulta casi una novedad presenciar hoy día un montaje tan tradicional y respetuoso como éste, y en segundo lugar porque me considero un aficionado esencialmente auditivo, que va a la ópera a disfrutar de la Aida de Verdi/Ghislanzoni, de la Tosca de Puccini/Illica/Giacosa, de la Elektra de Strauss/Hoffmannsthal, del Wozzeck de Berg, o de El anillo del nibelungo de Wagner, y no de las genialidades y ocurrencias actualizadoras de los Tcherniakov, Bieito, Loy, Wilson del momento. Pero es que, además, por muchos argumentos que quieran darme sobre la necesidad (casi obligación) que un director de escena tiene de "revis(it)ar" la creación de los autores originales —bien para resaltar un problema o cuestión que pueda interesarle a él, bien para intentar acercar la obra original al momento en el que ésta se representa—, lo cierto es que no encuentro nunca razón alguna por la que tengan que realizarse los cambios que suelen implicar esas relecturas actualizadoras (hasta el punto de no saber, a veces, si lo que estamos viendo tiene algo que ver con lo que quisieron sus creadores). En este sentido, el modo en que han afrontado su trabajo directores escénicos que podríamos denominar "tradicionales" —como Zeffirelli, Sagi, Del Monaco, o el mismo De Ana, por citar sólo cuatro nombres pocos dados a las dramaturgias paralelas, y que suelen echar mano del preciosismo y la ampulosidad, antes que de la dramaturgia paralela— no sólo me parece, por razones obvias, mucho más respetuoso con la obra original, sino que desde la humildad, el respeto y el amor que manifiestan hacia el trabajo de quienes crearon esas óperas las sirven mucho mejor y ayudan a que ellas mismas se definan a través de la palabra y la música que encierran. ¿Qué mejor manera de honrar y acentuar la grandeza de lo que otros crearon con mayor genio y acierto que sirviendo como mero transmisor visual de lo que está recogido en el libreto y la partitura? Y tal es el caso de la producción que podemos ver en esta Aida: pirámides, shetis, nemes, kalasiris, sandalias, pelucas rizadas, cabezas (femeninas y masculinas) rasuradas, trajes vaporosos, capas, espadas y telones de gasa translucida que sirven para recrear el hechizante, exótico y glamuroso Egipto —nada filológico— que el romanticismo idealizador de Verdi y Ghislanzoni imaginaron en el último tercio del siglo XIX. Y no se me diga que este tipo de montajes, si se repitieran de modo permanente, condenarían al género operístico a un anquilosamiento que terminaría llevándolo a la extinción, porque hay muchas formas de ser original respetando escrupulosamente lo que dice el libreto: ¿hace falta recordar aquí lo que hizo Wieland Wagner, por ejemplo, a la hora de montar las obras escénicas de su abuelo?

Hay quien ha criticado también a De Ana, porque la opulencia escénica de su montaje supondría, dicen, un lastre para lo que, en el fondo, más le interesaba a Verdi: contar una historia de amor intimista y mostrar el conflicto que se le plantea a unos cuantos seres humanos que se ven abocados a enfrentarse y sufrir por causa de una circunstancia política adversa y superior que los arrastra hacia la perdición y la muerte. El mismo problema, en el fondo, que encontramos en Nabucco, la otra gran ópera de Verdi desarrollada en la Antigüedad. Sin embargo, no creo que esta propuesta escénica sea un lastre; antes al contrario, pues al carecer de dramaturgias paralelas y de mensajes subliminales que necesiten ser aclarados por los exegetas de turno, el espectador no se ve distraído por nada y puede concentrar su atención en el disfrute de la belleza plástica de los cuadros escénicos que van sucediéndose ante sus ojos. Cuadros que sólo sirven para destacar, aún más, lo que nos dicen los personajes y nos transmite la maravillosa música de Verdi.

Pese a la buena valoración que un pequeño, aburrido y convencional burgués como yo le da al montaje, debo destacar lo que, a mi entender, fue su punto negro principal: una coreografía de muy escaso gusto y nula plasticidad a lo largo de toda la función, que resultó especialmente desafortunada durante la música del Ballabile intercalado en la escena del desfile de la victoria, cuando los bailarines masculinos se pusieron a dar algunos pasos realmente horrorosos que recordaban a ciertas escenas de El planeta de los simios. Por cierto: se ha criticado mucho el telón de gasa traslúcido que colgó de la boca del proscenio durante todo el espectáculo pero, dejando a un lado el gusto de cada cual —e incluso ciertas observaciones referidas al posible efecto adverso que pudo ejercer sobre la proyección de las voces (yo creo que inexistente)—, a mí no fue algo que me molestara. Es más, pienso, incluso, que dotó a lo que ocurría tras ella de un halo de misterio e indefinición muy apropiado para expresar el carácter onírico y de fantasía oriental que tiene esta ópera. Se podría haber prescindido del mismo, efectivamente, pero no fue algo tan molesto (al menos para un servidor).

Todo ello, en definitiva, convirtió esta función de Aida —y espero que ocurra igual con las próximas que me aguardan— en algo muy especial para quien les escribe, espectador que disfruta con las obras tal y como las pensaron sus creadores, y no los exegetas de turno que las utilizan para, bajo la excusa de la reactualización, construir sus carreras sobre la base de lo realizado por otros. Vamos, que salí encantado. Y mi acompañante también. La respuesta del público, por otro lado, parece que ha quitado la razón a los "exquisitos" y se la da al teatro, que al apostar por "lo de siempre" ha colgado el cartel de "no hay billetes" (si exceptuamos el robo a mano armada que son los precios de las butacas) en la totalidad de las 20 funciones programadas.

Ya en el apartado musical es necesario comenzar destacando la labor de Nicola Luisotti, cuyo nombre ha terminado siendo sinónimo de Verdi y lo verdiano cuando nos referimos al Teatro Real. El director de Viareggio se ha convertido en el auténtico especialista del coliseo madrileño para este repertorio concreto y ello se hace notar en cada una de sus prestaciones. En la del día que comento, su ejecución de la partitura resultó equilibrada, prestando idéntico interés tanto a los momentos espectaculares y más epicos de la partitura (escenas corales, la famosa marcha triunfal), como a las escenas de mayor intimismo y recogimiento, de modo que no detecté yo las diferencias de brío, fuerza y exceso de decibelios que algunos críticos han destacado entre la primera parte de la función —ciertamente más épica— y la segunda. Luisotti atendió también, en todo momento, a las necesidades o apuros de los solistas (así, por ejemplo, en el difícil pasaje de Celeste Aida), y consiguió conducir la acción dramática con acierto y expresividad, destacando especialmente su labor y el de la orquesta en el preludio de la obra y en la evocadora Introduzione "nilótica" que da paso al número coral de la preghiera "O tu che sei d'Osiride" y a la posterior y bellisima "O patria mia", durante la cual tanto él como el primer oboe consiguieron sacar puro oro en el diálogo que mantienen con la soprano. E igual de acertado volvió a mostrarse en la escena del juicio a Radamés —donde los silencios y el tempo elegido acentuaron el impactante dramatismo de la escena—, y en el hermosísimo dúo/terceto del final de la obra. Lo cierto es que la representación que comento se halló, a nivel orquestal, a años luz de lo que comentan algunas críticas refiriéndose a la función del estreno. Y posiblemente sea esta circunstancia la que hizo que, a diferencia de días posteriores, no aparecieran debidamente ajustados todos los componentes de una producción tan complicada como ésta. En cualquier yo no observé ningún desajuste realmente importante. Notable alto, pues, para Luisotti.

La soprano búlgara Krassimira Stoyanova fue, como casi todos los intérpretes de esta función, una voz demasiado ligera para dar vida, con total adecuación, al personaje de Aida, creado por dos interpretes (la italiana Antonietta Pozzoni, en El Cairo, y la bohemia Teresa Stolz, en Milán) que poseían instrumentos extensos, potentes y vigorosos (la Pozzoni, de hecho, acabó cantando como mezzo) y un gran talento dramático. De modo que, tal como ocurrió con Radamés/Beczala y Amneris/Barton —de los que enseguida hablaré—, Stoyanova acentuó el lado lírico del personaje, resultando una esclava etíope más elegiaca y amorosa, que sensual y ardiente, más belcantista que de raigambre y opulencia verdianas. Pese a sus carencias evidentes en la zona grave —detectables en los momentos más dramáticos de su particella (por ejemplo en "Ritorna vincitor!")— y su falta de squillo en la parte más aguda de la tesitura, demostró una gran musicalidad y cantó con mucho gusto y estilo, desplegando por lo general un legato de buena factura —aunque algo escaso de fiato en ocasiones (la soprano no está ya, precisamente, en sus mejores años)— y un fraseo elegante y señorial que le permitió brillar en los pasajes más líricos, ofreciendo un O patria mia... O cieli azzurri de bastantes quilates —pese a cierta limitación en los agudos— y una magnífica prestación en la escena de la tumba, donde su canto recogido y melismático combinó a la perfección con el de su partenaire masculino, ofreciendo un momento de gran intensidad dramática y emotividad. Un notable para la Stoyanova.

El instrumento eminentemente lírico de Piotr Beczala tampoco es, precisamente, el más adecuado para interpretar con absoluta adecuación el personaje del general egipcio Radamès, aunque el tenor polaco lleve un tiempo incursionando en papeles de mayor enjundia dramática y su voz haya ido ensanchado con el tiempo (ya veremos si de manera natural y adecuada). Se trata, en efecto, de un rol que exige un tenor lírico spinto, incluso dramático —lo que en época de Verdi, se conocía como tenore di forza—, como lo fueron Pietro Mongini —creador del personaje en el estreno mundial de El Cairo, el 24 de diciembre de 1871, que inició su carrera como bajo y era un auténtico baritenor— y también Giuseppe Capponi, a quien Verdi había elegido para el que consideraba auténtico estreno de su ópera (acaecido en Milán el 8 de febrero de 1872), pero que hubo de ser sustituido, en el último momento, por Giuseppe Fancelli, un intérprete de extraordinaria y bellísima voz —como leemos en las críticas de la época—, pero que disgustó al maestro de Le Roncole por su escasa implicación dramática e incapacidad para profundizar en el personaje encomendado. En la función que nos ocupa esto supuso que escuchásemos a un Radamés más lírico que heroico, más amoroso que guerrero y más elegíaco que épico. Pero, a pesar de todo, un muy buen Radamés, pues Beczala —que demostró ser muy inteligente y supo dosificar sus fuerzas con acierto— fue el intérprete más destacable de este reparto, junto con Carlos Álvarez (como luego diré). Empezó la función nervioso y precavido, con un apreciable vibrato que se hizo más audible aún merced al tempo, demasiado lento y moroso que, quizá para ayudar al cantante, aplicó Luisotti en Celeste Aida, famosísima y endiablada romanza, que debe afrontarse recién comenzada la función y con la voz aún fría. Pese a todo, el tenor polaco la interpretó correctamente, con buen legato, estupenda dicción y aceptable fraseo, pero sin especial pasión ni entrega, y rematándola con un falsete demasiado evidente y falto de color. No obstante, a partir de ahí, y a medida que fue avanzando la función, Beczala entró en el papel y nos ofreció momentos realmente espléndidos: vibrante su "Sacerdote, io resto a te", que resonó como una trompeta por toda la sala; lleno de ardor, duda y dolor su dúo/terceto con Aida y Amonasro en el acto III (el mejor, en mi opinión, de toda la función); amoroso, tierno, solícito y resignado en la última escena. Lo cierto es que la voz, pese a su lirismo, tiene una proyección excelente y corrió a la perfección por el teatro, haciéndose audible en todo momento. En resumen: el más destacable de todo el reparto (junto a Carlos Álvarez, como luego diré). Sobresaliente para Beczala.

Han destacado los críticos y algunos aficionados que la Amneris de la mezzo norteamericana Jamie Barton resultó imponente en su papel (que debutaba, por cierto). No me lo pareció a mí, pues si bien es verdad que la intérprete posee un bello instrumento con franja central y aguda bien guarnecidas, y lo utiliza con estilo, buen fraseo y estupenda línea de canto, sin embargo el registro grave es demasiado débil, y ello constituye un verdadero problema a la hora de redondear este personaje, que tiene una tesitura esencialmente oscura y central durante buena parte de la obra, como lo demuestra el que Verdi eligiera dos voces —las de la napolitana Eleonora Grossi y la austríaca Maria Waldmann— de mucho peso dramático (la Waldmann, de hecho, era realmente contralto, aunque no tenía problema para ascender a la zona aguda exigida por los papeles de mezzo)*. Con estos mimbres, podrá imaginar el lector que la propuesta de Barton resultó, en mi opinión, insuficiente, máxime cuando a la limitación vocal señalada hubo que añadir una escasa implicación actoral y caracterizadora del personaje. Pero es de justicia añadir también que la cantante ofreció un acto IV bastante destacable, con una "L'abborrita rivale" muy bien delineada y un espléndido dúo con Radamés, en el que Barton —empleándose a fondo y mostrando la calidad de su voz en el registro central y superior— emitió dos impresionantes la sostenidos en el "ciel", de la frase "or dal ciel si compirà", que se expandieron por toda la sala retumbándonos en los oídos. Añadamos a esto, además, que la línea de canto, el estilo y el fraseo, en general, de la intérprete norteamericana resultaron bastante convincentes, aunque no tanto su idiomatismo. Una buena actuación, en todo caso, con las limitaciones señaladas.

La única voz realmente verdiana y de verdad adecuada a uno de los cuatro personajes principales fue la de nuestro Carlos Álvarez, que construyó un estupendo Amonasro. El barítono malagueño, cuya instrumento ciertamente ya no tiene el brillo, el squilo y la contundencia dramática de otros tiempos, fue muy aplaudido (y con razón), a pesar de lo breve de su papel; y no creo que fuera sólo por "jugar en casa", sino porque ofreció un retrato completo, profundo y humano —muy verdiano a la postre— del personaje, alejado de manierismos y excesos veristas, a los que tan proclives son otros intérpretes, centrados en la fiereza del personaje (más fácil de recrear), antes que en la nobleza del mismo. Su rey etíope fue magníficamente escanciado, resultando siempre musical, siempre cantabile, de gran expresividad. A su señorial y doliente aria de presentación ("Suo padre. Anch'io pugnai") siguió un electrizante dúo con Aida que puede contarse entre lo mejor de la velada (de nuevo en el acto IV), resultando impresionante, demoledor, terrible, vendicatore en su difícil frase "Del faraone tu sei la schiava", que resonó por toda la sala sobreponiéndose a la orquesta. Estuvo magnífico también en el terceto con la hija y Radamés. Sobresaliente, pues, también para Carlos Álvarez.

Muy correcto el Ramfis del bajo ruso Alexander Vinogradov, al que ya hemos tenido la ocasión de disfrutar bastantes veces en el Teatro Real, si bien es cierto que la voz me pareció menos contundente, rotunda y oscura que en otras ocasiones. Con todo, consiguió recrear al sacerdote autoritario, ceremonioso, arrogante y grave que pide la partitura, y dio bastante juego en sus enfrentamientos con la Amneris de Barton.

Excelente el mensajero del tenor mexicano Fabián Lara —que en su breve pero vistoso rol desplegó unos buenos medios—, y correcta, asimismo, la Gran Sacerdotisa de la soprano Marta Bauzá. Decepcionante el faraón del bajo búlgaro Deyan Vatchkov, que con una voz trémula, inestable y engolada fue incapaz de ofrecer la dignidad y magnificencia regias que el papel requiere.

He leído en otras críticas que el coro —especialmente las voces femeninas— presentó algunos desajustes y falta de homogeneidad y morbidezza en representaciones anteriores. En la que yo comento ahora no hubo, desde luego, ningún problema, y la formación dirigida por Máspero desplegó una coordinación y un sonido compactos, resultando especialmente brillante —cosa lógica— en los momentos corales de mayor impacto que tiene la partitura ("Il sacro brando... Nume, custode e vindice", "Gloria all'Egitto", "Vieni, o guerriero vindice!"), aunque también sonó perfectamente en momentos de mayor recogimiento e intimidad (como, por ejemplo, en el bello y espiritual fragmento "Possente Fthà", o en la escena de las estancias de Amneris). Un notable alto, por tanto, al Coro Intermezzo.

En definitiva: una estupenda velada (ópera de toda la vida en vena), que permanecerá en la memoria de quien esto escribe durante mucho más tiempo que otras representaciones quizá menos horteras, demodés y convencionales (pero también más olvidables y carentes del fuoco propio del mejor melodramma italiano).

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* Para ilustrar, aún mejor, cuál era la voz que Verdi deseaba en este papel, quizá resulte ilustrativo leer el testimonio que la cantante y periodista norteamericana Blanche Roosevelt dejó por escrito tras oír a Waldmann en el primer "Requiem" de Verdi en París: «la señora Waldmann tiene, como contralto, una voz aún más imponente, si cabe, que la de la señora Stolz como soprano. Es ciertamente raro oír tal calidad de sonido en una voz femenina. En más de una ocasión se diría que se trataba de un tenor, y sólo cuando mirabas y veias un ligero temblor en su figura —por lo demás inmóvil— te dabas cuenta de que era una mujer cantando» (The Chicago Times, 12 de junio de 1874; también en B. Roosevelt, Verdi: Milan and “Othello”, Londres , 1887, p. 74).

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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 01 Nov 2022 23:45 
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Alberich el Negro escribió:
graciosetes como cierto Jean Valjean,
Se marca el amigo un "atraer público, veterano y nobel". Lo mismo estaba por ahí Bob Dylan.

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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 01 Nov 2022 23:53 
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angelparsifal escribió:
Detrás de esos oropeles hay un triángulo amoroso
Para mí hay tres: el amoroso (Aida-Radamés-Amneris), el militar (Radamés-Amonasro-Ramfis) y el político (Radamés-Faraón-Ramfis). O incluso con Amneris.

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 Asunto: Re: Aida en el Teatro Real - 2022
NotaPublicado: 02 Nov 2022 8:23 
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Tip escribió:
Alberich el Negro escribió:
graciosetes como cierto Jean Valjean,
Se marca el amigo un "atraer público, veterano y nobel". Lo mismo estaba por ahí Bob Dylan.

Pues eso... ¿Será el nobel un novel en esto de la ópera?

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Traducción al español por Huan Manwë para phpbb-es.com