Dos almas ¡ay de mí!, imperan en mi pecho...

Escribió Goethe en su inmortal Fausto. Y también dos almas operísticas, progresista y conservadora, habitan también en mi pecho y han sentido emociones diferentes sobre La ciudad de las mentiras, estreno mundial por encargo que llega al Real dos años después de haberse caído del cartel en 2015. Y siento que ambas quieren dar su impresión sobre este espectáculo:

Alma progresista

Yo deseaba ver este estreno en su momento, aunque reconocí que habíamos salido ganando con la gran Porgy and Bess en 2015. Más aún cuando se trataba de un encargo del añorado Gerard Mortier quien deseaba -ingenuamente- crear una nueva tradición operística española y además que el Real fuese una puerta a Latinoamérica, idea reflejada en esta obra basada en cuentos del uruguayo Juan Carlos Onetti. Elena Mendoza es una prestigiosa española compositora residente en Alemania y ganadora de muchos premios. Entre el público había gente de varios países, estudiantes hablando en varios ambientes.

La idea parte de una premisa interesante: exponer en esta partitura la mayor cantidad posible de registros vocales, y seguir con un estilo característico de la creación actual: exprimir los instrumentos musicales y vocales al máximo. También distribuyó a músicos por la sala, algunos tocando en el palco real.

Mendoza une las cuatro historias de Onetti y las pone una sobre otra: una mujer contrata a un teatro para realizar una obra sobre su vida sin más público que ella misma y para tal empresa contrata a todos habitantes de Santa María, una ciudad ficticia habitual en la obra del uruguayo. Y así se suceden las historias de cuatro mujeres que alteran la vida de la ciudad. También hay que decir que la obra se compuso muchas veces desde la improvisación de los artistas.

Matthias Rebstock idea una permanente plataforma escénica de varios compartimentos que incluyen un bar central, una casa con un balcón, una especie de estudio de radio. Nada más empezar la obra aparecen los personajes que se irán moviendo por todo el escenario. Un momento bellísimo es una suerte de aria donde la soprano está subida a una de las salas arriba y una doble recorre el escenario primero vestida y luego desnuda mientras su ropa cae desde lo alto. O que a una de las mujeres el vestido de novia se le expande por las escaleras del escenario. Todo esto con un juego de iluminación interesante que separa cada cuadro con textos proyectados de la obra.

Titus Engel dirige la orquesta del Teatro Real que es reducidísima en el foso, con más músicos en el escenario, donde son personajes. Este gran director ya había dirigido estrenos en nuestro teatro con excelentes resultados y obteniendo un gran trabajo con la orquesta. Y de hecho los interludios musicales, lo más logrado de la obra, fueron dirigidos en la línea habitual.

No puedo destacar demasiado a los cantantes, pero cabe mencionar los momentos vocales de interés en la soprano Laia Falcón y alguna nota suelta en el tenor Michael Pflumm.

La obra no fue recibida precisamente con emoción por el público pero es bueno que el Real propicie la aparición de estrenos musicales y sea también un espacio para la lírica de vanguardia.

Alma conservadora
No recuerdo un estreno peor en el Teatro Real. Tampoco recuerdo un peor recibimiento desde El viaje a Simorgh en 2007. Y no es para menos. Los propios autores han asegurado que no es una ópera sino una obra de teatro. Con esta premisa esperaba pocas alegrías pero fui con la mente abierta. Y superó mis expectativas ... porque no había obra o argumento qué seguir. La partitura realmente no explota todos los registros porque predominan el parlato y la declamación sobre el canto. Tal es así que el canto se limita a unas palabras o unas vocales que terminan con una frase hablada. De hecho quizá el canto propiamente dicho sea una cuarta parte de la función: se salva si acaso un pequeño momento parecido a un aria. En cuanto a los diálogos, para el recuerdo una frase así como "tenía los pies amarillos y sucios pero sin atisbo de olor".

Pero si lo vocal no existe, tampoco lo orquestal. Pocos interludios de interés, el resto es una sucesión de tañido instrumental amusical aunque puede salvarse como exploración de límite musical. Pero sin argumento ni canto es un aburrimiento total. Por ejemplo, las fichas de dominó o los cubiertos, las ollas y las copas del bar también son instrumentos como el violín o el trombón.

Además el reparto cuenta con Graham Valentine, aquél actor que nos deleitó con sus potentes graznidos en los Cuentos de hace tres años como Spalanzani. Al menos esta vez ofreció una actuación gótica y terrorífica convincente y no cantó.

Y muchos solistas al no ser de habla hispana no podían evitar una acento rarísimo en su parlato.
- Mi matgimonio se aggegló pog carrta.
- Así empieza esta histogia.

Y además al final del segundo cuadro los artistas recitaban mientras aporreaban el acordeón y el camarero aporreaba las ollas. La risa del respetable fue considerable. Y fue a más cuando en un momento ese camarero servía un "vino imposible" mientras la orquesta acompañaba con estridencias que acompasaban el movimiento de los cantantes y luego se iba del escenario tirando cubiertos y precipitándose al vacío en medio de un gran estruendo. En ese momento yo ya no podía contener la risa. Porque de lo contrario se me hacía eterna.

La gente huía en desbandada de la sala durante toda la función. Y menos mal que vi el vídeo de Téllez explicando un poco la obra porque mi aburrimiento habría sido enorme. Al final los aplausos tardaron en aparecer para luego dar paso a sonoros abucheos y gritos de "Fuera", "Bodrio". Me aterró ver a una señora furibunda mirando con odio al escenario y abucheando con antes de salir indignada. Me parecía que las salidas de la sala estaban en sintonía con el ritmo de la partitura.

Lo más curioso es que la obra duraba más tiempo al principio. La duración actual de 80 minutos era originalmente de dos horas con intermedio. Pero es que hasta Mortier al ver la partitura dijo que había que revisarlo. ¡Cómo debía de ser para que el belga dijera eso! Aunque sé que si estuviera vivo la habría defendido con pasión y habría dado a la prensa su versión del rechazo visceral del público y argumentos para refutarlo, así como ensayos y explicaciones para hacerlo más digerible e interesante a todos los que formábamos los nuevos públicos a los que quería llegar.

Pero quizá se ahorró el disgusto de defender lo indefendible. ¿Qué pasa con nuestros autores jóvenes más renombrados? ¿Por qué encuentro que El Público, La Página en Blanco (que en comparación son Tosca y Parsifal) y esta obra son inferiores y menos interesantes que las extranjeras El Perfecto Americano y Brokeback Mountain, sin ser éstas tampoco títulos que harán historia? Así no hay tradición lírica que crear. Y yo no me dejo llevar por esa premisa de "si es extranjero o famoso hay que aplaudir educadamente" como hacen algunos (que han evolucionado de aquellos tiempos en los que Wagner era el coñazo y el merecedor de deserciones a aplaudir con furia un Moisés y Aarón que no sé si han entendido). Pero aquí lo tengo muy claro.

Esta Ciudad no me ha gustado ABSOLUTAMENTE NADA.

Tremendo

Yo estuve ayer. La autora se sentó delante y fue tremendo cuando a la media hora o así se empiezan a escuchar murmullos en el patio de butacas y exclamaciones como "¡Vaya bodrio!", luego las deserciones y ese final con algunos aplausos y sonoros abucheos y protestas.

En mi opinión, lo más valorable de este espectáculo es la originalidad, la experimentación, el intentar imbricar declamación, recitación, canto, texto, música... La posteridad dirá. Desde luego tanto en lo musical, como en lo dramático me han gustado más otros estrenos y no digamos el "Written on skin" que vimos el pasado año. La primera hora aguanté bien y aprecié elementos interesantes, originales.... La música tiene factura, pero es durilla. Se preocupa sobre todo de las tímbricas, las sonoridades, como es propio de la vanguardia. Yo destacaría ese uso de las fichas de dominó, las bandejas, los vasos, la cubitera... como instrumentos musicales, bien acompasados lograron pasajes rítmicos interesantes imbricados con los músicos y el foso. Se canta poco y el tratamiento vocal, pues el típico poco estimulante con frases sueltas que terminan en notas agudísimas... Más que nada es teatro con música, que no engancha dramáticamente. Al tener a la autora delante, un amigo y yo no pudimos resistirnos a pedirle que nos firmara el programa...Tantas obras no gustaron en su momento y luego se han considerado maestras... tener el programa de un estreno firmado por la autora, la vimos tan sencilla y accesible... nos decidimos... Fue tremendo, la gente (los pocos que quedaban en el patio de butacas) dedujo que era la compositora y empezó a gritar "Qué vergüenza!" "Vaya horror" y ella atónita...

Por razones laborales no la podré ver y tampoco me apetecía mucho.

A mi El Público sí me gustó y probablemente sea lo que más se acerque a la idea que tenía Mortier de renovar la ópera hispana; y desde luego ahí queda el debate sobre si se trata de ópera u otra cosa. Lo mismo puedo decir de The Perfect Americain, no me es obra que me apetezca repasar constantemente como podría ser Tosca, pero reconozco que no me dejó indiferente.

Ahora bien, las crónicas de angelparsifal y Tunner me llevan a preguntar lo siguiente ¿tiene sentido traer estos estrenos tan rompedores a la programación de abono de un teatro como el Real? ¿no es mandar a los autores al matadero sin remisión? Está claro que hay un público ávido y abierto a estas novedades, ¿pero no sería mejor utilizar una sala B, como se argumentó en su día podrían ser los teatros del Canal? Just thinking

"tenía los pies amarillos y sucios pero sin atisbo de olor".

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¡Jo, y luego dicen de los textos de Piave...!

No, es broma, porque no vamos a hacer ahora lo que se hacía en época de Verdi y Piave...

Por otro lado, y aunque no te guste la "cosa", jamás he llegado a entender por qué la gente ha de ponerse hecha un basilisco ante un espectáculo nuevo que no le gusta, lanzando improperios e insultos... ¿Pero no sabías que ibas a un estreno? ¿No podías imaginarte, teniendo en cuenta las tendencias compositivas actuales, en qué dirección caminaría la obra? ¿Pues entonces para qué te pones así...? No lo entiendo... Si tanto te desagrada la cosa, basta con levantarse e irse (les aseguro que es una forma de protesta bien explícita y muy comunicativa en medio del silencio del teatro, pues se oye todo).

En fin: un servidor no asistió a la función porque tenía concierto del ciclo "Universo Barroco" en el Auditorio Nacional: la Ofrenda Musical del genial e inimitable Johann Sebastian Bach (el viejo pelucas).

Aséptica crítica de Arturo Reverter...

Menos expresivo que Ángelpársifal o Tunner, aunque más parlero que Reverter, se muestra Tomás Marco...

Recordemos lo que decía la propia Mendoza en el año 2014, después de saberse que la presentación de su ópera sufriría un retraso. Una entrevista publicada en Codalario.

Yo creo que el Real debe, en su justa medida, de estar abierto a este tipo de espectáculos ya que al ser nuestro templo de la cultura tiene que dar espacio también a la creación de vanguardia. Ahora bien, no crea que ayer no pensé por un momento que iba a tener que tragarme mis palabras de que se la había deshonrado al llevar a una ópera de estreno a los Teatros del Canal ya que tiene derecho a compartir el mismo escenario que Norma... porque su carácter camerístico y su difícil música bien podrían haber sido sustituídas por más funciones de Billy Budd o por una ópera de mayor renombre. La puesta en escena de esta obra no cabe en un escenario que no sea principal. Aunque pensándolo bien, debería estar en la programación de abono también porque si yo fuera uno de ellos pensaría en que a cada estreno hay que ir con la mente abierta.

¿no va a pedir zacarías Matabosch dimisión? ah no, que esto es de su añorado Mortier...

tenemos dos opciones. llamamos inculto al público por no paladear la calidad musical del producto (que yo desconozco, vaya eso por delante), o abrimos un debate sobre si no habría sido más provechoso traer títulos contemporáneos (Die Soldaten, etc.) ya rodados y catados por un cierto público, antes que empujarles a lo desconocido.
es cierto que ese salto a lo ignoto es en ocasiones necesario para ganar amplitud de miras como espectador. pero un programador amigo me insistía en que la pedagogía a martillazos es poco constructiva.

Sr. Mitchum hasta que no la vea no voy a opinar, seguro que es más interesante que el pésimo OTELLO que inauguro la temporada.

Creo que nunca pediré la dimisión de Matabosch por una ópera que encargue, por una sencilla razón le faltan h..... y conocimientos para poderlo hacer.

De todas formas también me extraña mucho la postura de la " crítica bienintencionada " que ha dejado de reclamar el apoyo a la lírica española, vivir para ver......VIVA MORTIER, sigue vivo después de muerto.....

Gracias a angelp y Tunner por sus prontos comentarios. Tenía curiosidad. Y la descripción por angel de su vivencia me ha divertido.

Ese recurso de imbricar ruidos cotidianos en una urdimbre musical es bastante viejo (en el cine, en el musical de Broadway, quizás en la misma ópera moderna, pienso en la Medea de Reimann con sus avalanchas, en la escena de la Garganta del Lobo...). Otra cosa es si está especialmente bien tramado o no en esta obra, o si la disposición de estas teselas sonoras es especialmente compleja y elaborada. Siempre caemos en la superstición de la novedad.

Qué fuerte estar tan cerca de la autora, y escuchar semejantes comentarios. Yo soy demasiado delicado para vivir tales experiencias .

Sonoridades de dominó, cubiteras, bandejas, vasos..., ¿a qué me suena...?
Mmmmm, ¡ah, sí: Mayumaná!

Ahí le has dado.

Y no sé lo que es Mayumana, pero lo sospecho.