Les confieso (por si fuera de su interés) que durante unos días estuve pensando en asistir a las funciones sólo con la idea de utilizar la experiencia como terapia catártica ante la presión que estamos soportando los ciudadanos todos los días: un buen abucheo y alguna que otra frase dirigida contra el director de escena no vienen mal para soltar lastre psicológico... ¿No hacen otros lo mismo en el "fúrbol"?

DON GIOVANNI (W.A.Mozart)
Teatro Real, Madrid. 6 de Abril de 2013
Rusell Brown (Don Giovanni); Kyle Ketelsen (Leporello); Christine Schaffer (Anna); Ainhoa Aretata (Elvira); Paul Groves (Ottavio); Monjca Erdmann (Zerlina); David Bizic (Masetto); Anatoli Kotscherhga (Comendador)

Dimitri Tcherniakov (director escena y escenografía) . Coro Intermezzo, Orquesta Sinfónica de Madrid. Dirección musical: Alejo Pérez.
Tormento para los oídos que no tanto para los ojos. Representación para olvidar cuanto antes. Una de las mejores óperas de la historia, si no la mejor (“Don Giovanni” siempre era la que ocupaba la primera posición en aquellas listas de “las diez mejores óperas sin repetir compositor” con las que uno jugaba a confeccionar con amigos aficionados a la lírica), no puede ser ofrecida por un teatro de primera, o de segunda o si quiera de tercera, con un reparto de cantantes tan extraordinariamente flojo.

Los solistas navegaron entre lo desafinado y chillado, caso de Christine Schaffer, o entre lo inexistente, sordo y gélido, caso de la pareja Masetto – Zerlina, encarnados por David Bizic y Monja Erdmann. Uno de los recintos partícipes de esta coproducción, la ópera de Toronto, es posible que haya sido la que recomendara el porte del protagonista, Rusell Brown, habitual en sus carteleras. La próxima sugerencia, mejor que se la ahorren, porque nos han sacado a un tenor sin agudos, ni graves, negativo de dicción y ausencia total de proyección en toda la tesitura de un role de bajo-barítono, cuerdas que ni de lejos representa el cantante protagonista de la noche. Anatoli Kotscherga se sumó a su partenaire a la hora de afear canto y escupir la pronunciación. Pero aún el listón se puede bajar más, de eso ya se encarga Kyle Ketelsen con un “Leporello” nunca antes tan entubado, de voz tan horripilante como baladí en caudal por no hablar de gozar de un timbre más seco que el ojo de la Inés (esta expresión la decía mucho mi difunto padre). Pero, como decía Super-ratón, no se vayan todavía: queda ya el colofón del catálogo de despropósitos, que no de “Leporello”. El premio se lo lleva con toda justicia y merecimiento el vergonzoso hasta lo ofensivo “Don Ottavio” de Paul Groves. Con decir que el menor de sus pecados es el cutre y feo paso al falsete de toda nota que supere o iguale el Mi, es suficiente. Como broma, está bien. Como cantante de ópera… ahí queda.

Al final de la representación saludaron todos en grupo, quizás oliéndose la todstada en forma de broncas uno a uno de todos. Una decisión que podríamos llamar solidaria, pero tal adjetivo solo corresponde a Ainhoa Arteta, la única cantante que salvó los muebles musicales de una noche muy triste para la memoria de Mozart allá donde repose ésta en una fosa común. La cantante tolosarra vive una segunda juventud en que está llegando a los mejores niveles de su larga carrera que ha tardado tantos años en aterrizar en Madrid donde su debut operístico fue el pasado año. El contexto para trazar una “Elvira” digna y bien cantada era horrible, tanto en el resto de solistas (poco ayuda esto a un cantante) como por otro de los grandes fracasos de la velada: Alejo Pérez, responsable de una orquesta a la que llevó por los derroteros de la confusión, y el caótico y sin sentido agresivo de unos cambios de tempo con los que precisamente parecía que trataba de matar a la buena de Ainhoa en su aria del segundo acto. Arteta solventó un examen lo cual tiene doble mérito teniendo que superar tantas trabas ausentes a su responsabilidad directa como intérprete lírica. Fue la única que arrancó aplausos cargados de algo, aunque sea poco, de calor.

La verdad es que yo me pongo en la carne de estudiantes de canto o cantantes tratando de buscar oportunidades residentes en Madrid que pudieran estar en el aforo, y es para cabrearse y frustarse de verdad. Si hay que salir de la piel de toro para buscar intérpretes dignos del recinto y el presupuesto de calidad lo representan Groves, Brown, Ketelsen, o Bizic, debe ser realmente triste, pero triste para llorar a lágrima perdida verlo delante de tus narices. Yo, por el contrario, les animo, porque estoy 256% seguro que se puede confeccionar un "Don Giovanni" infinitísimamente mejor tirando con cantantes que andan por aquí (los cuales encima ni hay que pagar transporte ni hotel y de cachés mucho más competitivos) o no muy lejos (Arteta sería la única que podría mantenerse).

Al parecer en el día del estreno el respetable focalizó una bronca, según cuentan de poco parigual en la nueva etapa lírica del Real, en el trabajo escénico de Dimitri Tcherniakov, aunque algún cantante no se fuera de rositas tampoco, pero estos, digamos, como actores secundarios a la hora de recibir palos. Pues en mi opinión la ideal director escena y escenógrafo no es para nada un error, y tiene un recorrido teatral durante de la obra que roza momentos de auténtica originalidad y genialidad. Transgrede el libro original creando vínculos familiares entre los siete protagonistas, y llevando el contexto al actual, con el resultado de mostrar una comedia de enredo que efectivamente funciona y muy bien… bueno, no al 100%. Hay momentos resueltos con brillantez para su propósito, por ejemplo, la fiesta de la boda de Zerlina y Maseto, transformada en una reunión casera con bebidas de jóvenes con disfraces, ella va de novia, e irrumpe el padrastro de ella, Don Giovanni en esta producción, que luego se ve semi atrapado en las redes seductoras de Zerlina, que es digamos una niña golfita. Y es que, la vuelta de tuerca al asunto también reconvierte a Don Giovanni desde un ser que termina en el infierno en personaje por momentos tierno y desde luego más víctima de su mujer (Elvira), hijastra (Zerlina, hija de Elvira) y prima política (Anna) que ellas de él. Y también de Leporello, familiar enterado que vive en la casa donde toda la acción transcurre. Cuando digo que no todo termina de estar hilvanado de forma sobresaliente es porque falla tanto el final del primer acto como el de la ópera. No se sabe ni entiende bien qué pasa en la fiesta de las máscaras y el final no está logrado ni bien pensado porque para empezar, no se comprende. Y es que son los momentos de confusión, porque todo lo descrito, (y aún mucho más detalle que se va viendo a medida que avanza la obra) que a priori parece un acervo de blasfemias, el espectador lo va a captar al instante, sin necesidad de guiarse por libro o manual previo alguno, salvo estos momentos. Creo que si al final Tcherniakov insiste más en la trama de Don Juan como cornudo de Leporello con su mujer, la cosa cobraría más enteros y terminaría de hilvanar del todo una idea que insisto, es buena y funciona. Todo, como se ha dicho, transcurre en un salón de una casa lujosa, de preciosa decoración, muebles y lámpara de auténtico capricho, e iluminación extraordinariamente trabajada y ofrecida.

En este mismo escenario hemos visto producciones ofensivas, feas, provocadoras, tomaduras de pelo, trabajos teatrales incomprensibles o inexistentes… de todo (y también de todo bueno). Ni de lejos, este “Don Giovanni” por su aspecto pura y exclusivamente visual se encuadra entre las 30 ó 40 peores escenas que aquí hayamos podido ver, entra las que sí entraría y hasta en el top5 de las peores, sin ir más lejos, su puesta precedente sucedida hace algunos años cortesía creo recordar de Luis Pascual. Evidente es que a todo purista radical que no se deja de rasgar las vestiduras en cuanto a Wotan le quitan el parche, esta producción le va a turbar, pero no va a encontrar ni un solo pretexto que busque la provocación, recrearse en ordinarieces o invitar al espectador a la confusión y al complejo de verse superado por argumentos metafísicos de inalcanzable llegada para el mortal. Desde luego, para quien escribe, no se justifica ni de lejos la bronca a Tcherniakov como responsable de una idea brillante (que incluso de puede mejorar) y de unos decorados preciosos. No se reprodujeron estas reacciones el día 6. Tampoco sucedió lo contrario: más de uno estaba buscando su momento de gloria en el aforo para desplegar bufidos y se quedó con las ganas al respecto. Eso sí, guste o no, se esté de acuerdo o no con todo lo visto, ni Tcherniakov, ni el mejor director de escena y/o escenógrafo de toda la historia, pueden levantar un “Don Giovanni” con un plantel musical como el descrito, cosa que sí se puede suceder al contrario: es la prioridad en la lírica.

Entre números reinó el silendio con algún reproche a Groves tras "Il mio tesoro" y la excepción de Arteta que confirma reglas. Y al cierre, aplausos mínimos, casi absurdos, y a casa que llueve.
Besos
NICO.

A mí me gusto bien poco la producción del D. Giovanni de 2005, pero no sabría cuál de los dos me ha parecido más lamentable.

A lo que voy, la inadmisibilidad del reparto y mortecina dirección musical son consecuencia del poder omnímodo que se atribuye al director de escena. Todo se subordina al mismo, a su planteamiento, a su dramaturgia paralela. Si el único divo es él (en todos los aspectos, incluido el monetario y el de la imposición tiránica de sus postulados) no puede haberlos sobre el escenario.
Si llegamos a la situación de que un director musical afirme que los tempi lentos (más que eso, morosos y lo que es peor, destensionados, porque el Sr. Klemperer era lento, pero menuda tensión y profundidad humana y analítica alcanzaba) son por exigencia del director de escena, llegamos a un extremo muy grave. Si no es verdad y lo ha declarado para tapar su incompetencia, más grave todavía.

Es la primera vez que veo, que un telón no cae, sino que lo arrojan y poca "comedia de enredo" puede haber, cuando un espectáculo de tal naturaleza exige ligereza, chispa, agilidad y no el sopor inacabable, lleno de parones, telones arrojados, cartelitos, silencios....

Bueno, a mi me molaba cuando caía el telón así a lo bestia, me hacía gracia (y por momentos pleigraba el panel de los sobretítulos, por cierto).
Era necesario para separar temporalmente acciones que en la trama original son en continuidad y aquí distan días, semanas, etc.

En cuanto a lo que dices de los cambios de tempo del director marcados por el de escena, pues yo eso no lo sé, si tú lo dices, te creo, por supuesto. El caso es que al final lo que se escucha es algo MAL hecho, y yo focalizo la culpabilidad al director musical, de la misma manera que de lo que se ve lo haré al escénico. Ya ir más allá a ver si va antes huevo o gallina, pues no me importa demasiado. Soy de los que opinan que al espectador hay que exigirle pagar su entrada y PUNTO, y debe ofrecersele algo que sea alcanzable a él sin leer artículos o entrevistas previas o saber de la batallita previa entre director musical y escénico a ver quién hace el pis más largo. Yo con eso, soy feliz, venga firmado de quien venga cada asunto: me pagan lo mismo.

Cierto que fue todo un despropósito. Una auténtica pena. Nunca había tenido tantas ganas de que algo acabase. En varios momentos hasta tuve vergüenza ajena.

La puesta en escena ya está muy comentada, pero es que ni siquiera es original. El Sr. Cherniakov se dedica a repetir lo mismo una y otra vez: acción en un tiempo no muy lejano al presente, el malo no es malo sino que la sociedad es la culpable, el crimen no es crimen sino un accidente, y todo en un salón muy bonito. Lo mismo en Onegin, Macbeth y Don G.

Por lo único que me alegro es por Ainhoa Arteta. Me alegro de que triunfase y de haberla oído en directo. Ha sido un placer. Schaffer también me gustó.

Del resto, poco que añadir, sólo algún gallo tremendamente sonoro al haber de Russell Braun. Mejor era no oirle.

La dirección musical también tremenda. A su aire. Tú canta lo que quieras que yo toco lo que me apetezca. Lamentable.

Una noche para olvidar mi primer Don Giovanni

La verdad es que la producción de Pascual en 2005 fue aburrida como ella sola pero me parecía un poco más coherente en ciertos detalles. Aunque a todos nos pateara que Don Giovanni no muriese. Lo cierto es que las voces eran mejores: Álvarez/Pertusi, Ganassi, Bayo/Tamar, Regazzo, Bros/Giménez... ahora bien, ese día Víctor Plomo Pérez nos regaló otra de sus inolvidables direcciones plomizas.

Y ahora no ha mejorado mucho la cosa, salvo en el reparto femenino.

No siempre es bueno mirar al pasado con frenética nostalgia.

La producción de Pascual era tan gris y aburrida (aunque más coherente) como la de estos días.

Pero he aquí a un Don Giovanni y a una Zerlina:

Ya ven ustedes. De todo el reparto "internacional" se salva sólo Arteta (hay coincidencia en la opinión forera). Y eso que los cantantes españoles, no tenían mucha idea de cantar Mozart... ¿Quién dijo algo así...? Hummm...

¿Y qué le vamos a hacer? Son las servidumbres a pagar para "disfrutar " de un teatro puntero en el que interesa programar espectáculos comprometidos y con mensaje. Espectáculos que te hagan reflexionar (incluso pensar en la madre que parió a Panete)*, antes que disfrutar de la obra.


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(*) ¿O es Paneque?

En el Real, estamos tristemente instalados en el manido tópico de que algún tiempo pasado fue mejor. Visto lo visto, cada día que pasa con el belga, es una verdad que crece y crece.

Yo comprendo que la creación artística produce a veces reacciones de rechazo por parte del público, y que muchas obras maestras en su momento fueron incomprendidas, lo cual no quiere decir que el que una obra artística genere rechazo e incomprensión implique que sea una obra maestra. Digo esto porque a veces para valorar algo es necesario una cierta perspectiva y no sólo la inmediatez de la reacción que nos produce.

En el caso de la ópera, al cobrar tanta importancia en los tiempos actuales la puesta en escena y casi primar respecto los factores musicales, me hago la siguiente reflexión. Un teatro como el Real, con muchas butacas con visibilidad regular, mala o nula, tiene un pasar cuando el fundamento de una función está en los aspectos musicales (orquesta/director/coro/cantantes). Si vienen por ejemplo Muti o Abbado, como directores, o bien Waltraud Meier, Nina Stemme, Martina Serafin o Elina Garança, como cantantes, el hecho de “ver” el escenario de una manera incompleta o defectuosa, no tiene tanta importancia porque puedo vivir una experiencia musical que a veces puede llegar a ser de primer orden, incluso inolvidable. Me compensa sentir la música en vivo a pesar de ciertas incomodidades, en vez de escuchar un disco de dichos artistas en casa, porque la experiencia del “directo” con ellos puede ser algo especial.

Que conste que defiendo también un modelo (por razones económicas, de difusión, de acercamiento a un público amplio, etc) de funciones sin divos cuando, como decía, hay una buena labor de conjunto. Me estoy acordando ahora de una función de Turandot que vi en el Auditorio Padre Soler, de Leganés, con una compañía de ópera que no recuerdo si era rusa o de alguna de las ex repúblicas soviéticas, pero que tuvo un nivel estupendo (especialmente la orquesta). O por ejemplo, las funciones de la Flauta Mágica del Albéniz con aquella compañía de ópera polaca. Se trata en cualquier caso de compañías de ópera que con medios sencillos ofrecen espectáculos dignos, en los que la puesta en escena no es la razón de ser de las funciones.

Pero si la razón de ser de un espectáculo es la puesta en escena, de manera que las prestaciones musicales quedan muy disminuidas, en un segundo plano, y todo el peso artístico de la función viene por la parte visual, ocurre que un teatro como el Real es inadecuado. Con frecuencia y aún comprando entradas no baratas, te pierdes aspectos “escénicos” que pueden ser fundamentales para disfrutar/comprender lo que se quiere exponer. Si estás en la zona media/alta del gallinero, el escenario queda demasiado lejos. En muchos laterales no tienes ángulo para ver el escenario razonablemente bien. Es verdad que hay cámaras, pero ¿qué sentido tiene ir un teatro para ver detalles importantes de la puesta en escena mediante cámaras? Al contrario, cuando lo que importa es la música, aunque te apoyes en las cámaras para ver detalles, la música como tal la sientes en vivo y eso te compensa, por lo menos a mí.

Por eso creo que cuando se dan situaciones como la de este Don Giovanni puede interesar más ir a verla a un cine (si es que la proyectan claro, cosa que con frecuencia ocurre en el real, donde por muy pocos euros la ves desde la platea), de manera que te puedas sentar en una butaca frontal y disfrutar plenamente de los aspectos visuales. Es más, incluso las voces, muchas veces serán más disfrutables porque se escucharán con más presencia que en vivo y quizás se puedan corregir ciertos fallos por los ingenieros de sonido. En este sentido creo que ver el Cosí último y este Don Giovanni en cine puede tener su interés.

A pesar de todo iré a ver el Don Giovanni el próximo lunes. No he escuchado nunca a Arteta en directo, ni tampoco a la Schäffer y tengo curiosidad con la puesta en escena.

Pues nada, he ido esta tarde al Real pensando que había ópera y no, echaban una peli cutre del destape setentero. Salían Tony Leblanc, Fernando Esteso y Tita Cervera.
Me he ido en el descanso.

¡Si en el segundo tiempo del partido venía lo mejor...!

Creo que para compensar, en el próximo programa de "Cine de Barrio" van a poner el Don Giovanni que se filmó en Salzburgo en el 54, dirigido por Fürtwangler, con Siepi, Grümmer, Della Casa, Dermota, etc. O quizás se decidan por la película de Losey con Raimondi...

Totalmente de acuerdo con las apreciaciones genéricas que hace "Nacho". Yo llevo diciendo mucho tiempo que en el aforo del Teatro Real, en realidad visibilidad total, plena, tienen MUY POCAS localidades, ponga lo que ponga en las mismas. Ver todo el escenario significa ver todo, su ancho, largo, y alto al 100%, toda la caja escnénica. Y eso no es así, salvo los que tienen butaca de patio o primer o segundo antiteatro en localidades centradas. El resto, siempre pierden algo.
Es por ello que a mi, aunque sea la tradición la que lo implica, no me gusta la distribución más standard existente en los teatros de ópera en aforos de forma de herradura, llenos de palcos, muretes, columnas, cientos de butacas laterales. Me gustan más los que tienen aforos liberados de todo eso, todos delante de la caja, y en los que desde el que paga 200 euros hasta el que paga 2, ven todo, todito, todo, siendo la mayor o menor distancia lo marca tal diferencia. La tendencia debiera ser esa, el abandono de la herradura, y hacer teatros con la misma idea que el Auditorio Nacional, donde ve todo el mundo todo esté donde esté.