¿A Koch le queda grande el Wotan antes incluso de cantarlo? Hombre... un poquito de paciencia... Tampoco me parece una voz tan modesta. No más modesta que la de Dohmen, por poner un caso.

Sí coincido en que Pape no está tan bien como debiera en ese estudio con Gergiev.

Terfel me interesa mucho, me parece un artista carismático, pero a veces pide un esfuerzo mayúsculo a la hora de aceptar ciertos hooliganismos de su emisión. Dicho lo cual, estoy seguro de que me convencería si le viera un Wotan en directo.

Me conformo con que deje de cantar Falstaff.

Se me ha apetecido. Me lo voy a escuchar (andará ya por Spotify).
Edito: está. A ver qué tal. Y por cierto, un muy buen Wotan el de Volle (en Sevilla); le he ido encontrando su prestación poco a poco.

Un Siegfried mejor de lo que esparaba.
Ya comenté al principio que Nagano nos iba a ofrecer un buen anillo y así va siendo, la lectura del Siegfried fue preciosa,la orquesta sonó muy bien,sin apabullar,enseguida te metía dentro de la obra,ha mejorado mis expectativas con creces.
! No tenemos Siegfried !.!Se busca!. Partiendo de éso ,Stephen Gould, sin ser santo de mi devoción ,nos ofreció un Siegfried bastante potable,fue cogiendo fuerza y al de un rato del principio(y algo al final por agotamiento ) cantó muy bien,fue un Siegfried bastante creíble.
También me gustó Catherine Naglestad,tiene su voz un timbre un tanto especial para Brunnhilde, pero superó la prueba.Una pena que en ésta parte de la producción toda la fuerza anterior desapareciera,no se porqué pero en casi todos los finales de Siegfried decae.
Terje Stensvold hizo un Wotan correcto( teníamos en mente a Terfel).
Tomasz Konieczny hizo un Alberich que me gustó menos que en el oro, encontré su voz mucho más nasal.
La producción una chulada, muy naif,original,colorista,!para gustos! , pero a mi me pareció preciosa.
No me puedo quedar al Ocaso...........peroooooooo........término hoy con un.....espero que espectacular........!Otello! ......con Botha y Harteros

Harteros lo bordo en abril, y Botha cancelo por enfermedad. Suerte y que lo disfrute

Te odiare toda mi vida e incluso en el mas alla.....

Te odiare toda mi vida e incluso en el mas alla.....

Querido Yago.
Esta es una de las maneras de destrozar una ópera ,que en principio tiene todos los alicientes para ser un éxito,! Una mala dirección de orquesta!.Carignani estuvo de lo más incompetente( por falta de ensayos o por lo que sea) y nada más empezar ni sonó la tormenta,ni acompañó a las voces ni creo ningún clima especial en ésta ópera tan propicia para ello.
Botha no estuvo mal , yo la verdad es que esperaba más de el, hizo un Otello correcto pero sin ninguna chispa de personalidad o intención, me pareció muy plano,sin actuar.
El Yago de Claudio Segura horroroso, una voz súpernasal,sin ningún encanto.
Pavos Breslik hizo un Cassio correcto, éste es de la casa .
La producción tampoco me gustó nada, unos hierros cruzados durante toda la obra y poco más.
Y entonces............
Aparece Anja Harteros , una voz sublime, un actuar perfecto, estilo a raudales, intención,ganas, magia,todo lo que un artista nos puede ofrecer para vivir ésos momentos tan especiales,ésa voz aterciopelada,fresca,que te deja anonadado, pegado al asiento disfrutando de lo bien hecho,lo especial....! Qué os voy a contar!
Pero........
Como le comentaba a un amigo....! Todo Otello no es Desdemona,ni mucho menos!

Botha es el cantante más plano y aburrido del mundo. Con esa voz es un completo delito que no se esfuerce lo más mínimo en cantar como es debido.

Espectacular tramo final del festival. Boris Godunov, en la nueva producción estrenada en febrero de este año, era retransmitida en directo a una Max-Joseph Platz abarrotada de personas disfrutando de la cálida (demasiado cálida) tarde de verano. Y en uno de esos contrastes fascinantes que a menudo se producen en este país, no cabría imaginar mayor disparidad entre la alegría, la ligereza, las ganas de pasarlo bien de ese público que llenaba la plaza, y la negrura, el pesimismo, el nihilismo del espectáculo que se les ofreció. Se despide estos días Kent Nagano del puesto de Generalmusikdirektor que durante las últimas campañas ha ocupado, y se despide por todo lo alto, con una serie de actuaciones de máximo compromiso en repertorios muy diversos. Mussorgsky es claramente uno de los caballos de batalla del maestro, y admira comprobar la manera en que lo traduce dentro de las coordenadas habituales de su estilo. No es el Boris de Nagano un Boris de colores crudos, de acentos violentos, de sugestiones fácilmente bárbaras. Nagano alcanza la crudeza, la violencia, la barbarie, a partir de una lectura asentada en la claridad, la limpieza, el control rítmico; es de esa misma contención, de lo escueto y esquemático de la expresividad, de la negación casi atroz de todo escape lírico, de donde surgen las emociones en su lectura tensa, hipnotizante, cruel como la obra que interpreta. En el reparto, globalmente excelente, se imponen tanto la autoridad en el decir y en la escena de Kotscherga (Pimen), como la presencia dominante, manipuladora e incisiva de Siegel (Shuisky). El protagonista, Alexander Tsymbalyuk, sin poseer unos medios deslumbrantes sabe construir su personaje, mostrar su evolución y traducir sus estados de ánimo, redondeando sobre todo una escena final magnífica. Pero, si un elemento puede destacarse de los demás en esta lectura increíblemente unitaria, lo que definitivamente convierte a este Boris en una función para el recuerdo es sin duda la puesta en escena de Calixto Bieito. Lejos de la banalidad, de la provocación gratuita, del carácter excesivo de otros de sus trabajos, en esta ocasión Bieito ha sabido presentar un Boris a la vez de nuestro tiempo y universal. No es éste un Boris específicamente ruso; tampoco un Boris específicamente sobre el presente, aunque mucho de lo que se ve remita de forma inmediata al espectador a la parte más hedionda de lo que tristemente identificamos, peor aun, hemos llegado a asimilar como presente. Más allá de todo ello, Bieito ha logrado plasmar una reflexión desesperanzada sobre el poder político, sobre la manera en que hace de las personas seres brutales, sobre la imposibilidad de escapar del círculo de violencia (los hijos de Boris, legítimos sucesores, asesinados por Grigori como lo fue en su momento por el propio Boris quien entonces era el legítimo sucesor). Como se dice en las revistas, de conocimiento obligatorio.

Al día siguiente, el público de la Max-Joseph-Platz, que seguía con el mismo calor y las mismas ganas de disfrutar de una alegre tarde de verano, fue obsequiado con otra obra ligera y festiva, el Requiem de Verdi, interpretado por un cuarteto solista ciertamente festivo, aunque no ligero: Radvanovsky, Gubanova, Calleja, Pape. Dirigía un veterano en eventos de masas, desde Caracalla a la terma que era Munich estos días, el gran Zubin Mehta. Y el público, llenando la plaza, escuchaba en un admirable silencio cuasi religioso, conforme al carácter de la música. Casi a la misma hora, en el Prinzregententheater, se presentaba Written on skin, del compositor inglés George Benjamin. Estrenada el año pasado en el Festival de Aix-en-Provence, Written on skin parece haberse instalado de inmediato en el olimpo operístico, arrasando allí donde es presentada y pillando desprevenidos a propios y extraños, como suele suceder en estos casos. La obra resulta absorbente, apasionante, conmovedora. Representada sin pausas, sus tres actos de poco más de hora y media de duración total pasan en un suspiro gracias a la intensidad dramática de la ópera, a la claridad de su estructura, a la fuerza animal de las pasiones que expone y a la sabia dosificación de sus tensiones, simultaneando todo el tiempo los planos temporales, los espacios de lo real y lo angélico, de lo pasado, lo presente y lo eterno. La música, sorprendentemente legible, deja escuchar ecos del barroco, un barroco convertido como en marco, a modo de una patria intemporal, que convive con la ambigüedad de Debussy, con el lirismo de Mahler, con la fuerza agónica de Shostakovich, con el colorido inagotable de Messiaen. Parece imposible concebir esta obra con otra puesta en escena, con otros intérpretes; de hecho, habiendo visto en el vídeo de Aix a Mehta, la figura de Davies (brillante, irreprochable en el plano canoro) se antoja extraña, como impostora, como ausente. Purves y Hannigan, en cambio, son de una manera extrañamente elocuente y real, el Protector y la Mujer; él declamando con una intensidad casi insoportable, anunciando todo el drama por venir desde que proclama a la Mujer “my property”, y uno sabe que todo le va a ir mal a ese personaje; ella definitivamente una diosa de la música contemporánea, con un instrumento dúctil, poderoso, radiante, en manos de una intérprete física, y química, y sabia. Nagano dirige con su acostumbrada exactitud, pero también con fiereza; no rehúye ni la delicuescencia sonora de los momentos líricos, ni el sabor metálico de las brutales explosiones de la orquesta, siempre en flujo, siempre dinámica, siempre abriéndose y replegándose sobre sí misma; ciertamente un personaje más de la obra, acaso el más importante, aunque en la memoria lo que se instala es la peripecia de la Mujer, la libertad y la insolencia y la pureza de la Mujer. Éxito importante al final de la velada, bravos, pateos, conmoción. Si les gusta Otello, si les gusta Pelléas, les gustará Written on skin. Como se dice en las revistas, de conocimiento obligatorio.

Al día siguiente, la Max-Joseph-Platz ya no estaba abarrotada, sino vacía, y la razón es que todo Munich y todo lo que no es Munich estaba en el interior del Nationaltheater, calor o no, para el Don Carlo dirigido por Mehta, con un reparto de esos que dentro de veinticinco años recitarán en la versión 19.9 de lo que en ese momento sean los foros de ópera: Kaufmann, Harteros, Tézier, Gubanova, Pape; ahí es nada. Dirigió sus pasos el Wanderer, en cambio, hacia el Cuvilliés-Theater, atraído por un lado por posibilidad de descubrir el recinto, y por otro por lo inhabitual y atractivo del programa que se ofrecía. Ofusca ante todo los sentidos la belleza del teatro, pequeño pero inesperadamente alto, todo él en oro, todo él una joya, hasta el punto de sentirse uno justamente en el interior de una joya. Aturde pensar lo que pueda haber sido aquí una sesión de ópera en el siglo XVIII como las que reproducen los dibujos que están expuestos en los pasillos del teatro, la increíble proximidad entre los cantantes y el público, la increíble proximidad de unos espectadores con otros, en fin, todo el ritual del teatro entendido como lugar de exhibición, lugar donde mostrar y donde mostrarse, en un mundo donde las comunicaciones, y por tanto los tiempos, y por tanto las presencias, no eran lo que hoy son. Cumplió también con las expectativas la música. En la primera parte, una versión de los Wesendonck-Lieder para mezzo y sexteto de cuerdas, escrita por Rudolf Leopold, en la voz límpida, moderadamente expresiva y luminosa de la mezzo Angela Brower. Pero lo más interesante vendría en la segunda mitad, con un arreglo fascinante de Das Lied von der Erde, obra de Arnold Schoenberg y Rainer Riehn, para conjunto de trece instrumentos (cuarteto de cuerda más contrabajo, quinteto de vientos, armonio, piano y generosa percusión), que junto con la dirección exacta, quirúrgica, escrutadora de Nagano, desnudó la obra de toda ganga, manteniendo y hasta realzando la mayor parte del tiempo el sugestivo colorido de la composición original, su parentesco inmediato con la coetánea Klangfarbenmelodie, con un toque de Schrammelmusik para el primer movimiento, tan adecuado en principio como algo cargante a la postre; quizá en la gran transición instrumental entre las dos secciones de Der Abschied se echara de menos el poder y el peso del aparato orquestal al completo. El tenor, de cuyo nombre no quiero acordarme, demostró de manera bien elocuente que no es el poder y el peso del aparato orquestal al completo lo que hace que una voz se ahogue, se vuelva inaudible y no pueda responder a las demandas terroríficas de Das Trinklied vom Jammer der Erde. Atención, en cambio, a la mezzo Okka von der Damerau, una voz de credenciales wagnerianas, todavía con mucho por explorar en el aspecto puramente expresivo, pero lujuriante de sonido, una Brangania y probablemente una Gundryggia en ciernes. Como se dice en las revistas, de conocimiento obligatorio.

Envidia sana nos da Ud, Herr Wanderer

Felicidades, y una pregunta referida a la obra de Benjamin. En noviembre la pondran en la Opera Comique de Paris en la misma produccion que ha visto ud, y que ya ha hecho carrera en Aix, Toulouse, Londres y Amsterdam. De hecho la tuve a tiro en Amsterdam y a ultima hora no pude ir por culpa de un amigo, que al final la vio en Londres Pero tambien he visto que ya se prepara la segunda produccion de la misma, en Bonn, coproduccion entre la Beethovenfest y la Opera de Bonn. No se cual de las dos elegir. Cual sería su recomendación?

¿Sana o de la mala?
El equipo artístico de la nueva producción no lo conozco, pero creo que esta producción que es la original de la obra es de conocimiento obligatorio. Y la Hannigan está imperial. Yo que usted no dejaría pasar esa oportunidad de la Opéra Comique en noviembre.

sana, sana... Ya sabe ud

Con lo que me dice, igual me lio la manta a la cabeza y voy a las 2. En fin, habrá que decidir.

La Hannigan en este repertorio es tremenda. Hizo en octubre pasado una Lulu impresionante en La Monnaie, que es la mejor que he visto nunca en vivo. Mejor incluso que la Schaeffer o Marlis Petersen, que es mucho decir. Muchas gracias

Eres la segunda persona,de las que confió plenamente en sus opiniones musicales, que me cuenta maravillas de ése " Written on Skin".
Me alegro mucho de que lo pasarás bien en la segunda ronda muniquesa

Esperamos ávidos próximas noticias de Salzburgo..

Wanderer, gracias, no se insistirá demasiado en la generosidad de los foreros que comparten sus experiencias.

Naaman:

Gakugeki: