No he estado en el Plastaff de Oviedo, pero me han llegado bastantes opiniones fiables que se apartan del éxito rotundo y la definen como una función entre solvente y directamente aburrida.
A Stephen Gould le escuché el Tristan hace aproximadamente dos años en A Coruña y fue algo arrollador: pleno, sin síntomas de esfuerzo ni fatiga, como si pudiese cantarse otro acto más al acabar la ópera sin problemas. Entonces ya lo dijimos y se rieron de nosotros con la coletilla de "noche histórica en La Coru". Ahora que canta en Bayreuth resulta que es bueno y teníamos razón. Pues oye, qué cosas...

¿Habla usted en plural mayestático, Gruberoviano, como los antiguos papas y emperadores?

Es que lo dijimos varios, no sólo la Ricura.

¡Acabásemos! Ahora se explica... Pensaba que le había dado un siroco a nuestro Gruberoviano, pero veo que no...

Como dirían mis sobrinos, no se rallen señores. Ni reconversión ni gaitas. Ahora va a resultar q he descubierto ahora a Wagner y su Tristàn! , obra q he visto unas cuàntas veces en vivo, entre ellas a batutas como Bychkov, Nagano, Mehta, Welser Möst o Barenboim. La versión de este último era la mejor q había presenciiado, hasta este Domingo, claro.

Ni q decir tiene q Tunner sigue siendo el mismo. Seguirá amando la música de Wagner y despreciando el Wagnerianismo. Seguirà pendiente por si asoman su patita sectaria y con complejo de superioridadpara poner ls cosas en du sitio. Seguirà proclamando q Verdi es el mayor compositor para el teatro q ha existido y su profundo amor por el melodrama romàntico italiano.

Dicho estio, insisto en q el Tristàn visto el Domingoen Bayreuth es el definitivo, q es de lo mejor q he visto nunca en un teatro, q el desgaste emocional fue total y q sí, la acústica de la sala es especial. Una gran experiencia mi debut en Bayreuth, también seleccioné bien el evento, ojo. Reconversión ninguna. En mi vida siempre he tratado de sumar experiencias positivas sin renunciar ni renegar de las ya vividas. Sumando y añadiendo, nunca restando, ni dejando nada de lado.

Hombre, señor Tunner, su mensaje de hace un par de días podría interpretarse como que la representación de Tristán en Bayreuth, había supuesto para usted una nueva etapa en su vida operística. Había un antes y un después. Y que Bayreuth era realmente la Tierra Prometida.

Para superar eso, sólo se me ocurre un post del señor NICO, transido de emoción, tras asistir a una representación del San Francisco.

Ese post transmitía con entusiasmo y devoción una memorable noche de ópera, aún vívida y presente en mis sentidos. Me ratifico y no cambio ni una coma.

Lo demàs, son interpretaciones de ustedes.

Claro que sí estimado Tunner, me quito el sombrero ante sus comentarios sobre Bayreuth.

Me ha sorprendido mucho para bien sus comentarios, también corroborados por Olga Sukarev, que muestran una perspectiva mucha más abierta de la ópera, cuando parecía encasillarse en una postura algo sectaria y cabezona y no lo digo tanto por su disfrute en Bayreuth, que es algo probable en una persona apasionada y conocedora, sino más incluso por su aceptación de nuevas propuestas escénicas bastante rompedoras. Hubiese perdido seguro la apuesta en una predicción de su valoración del Onegin de Munich.

Y también ha sabido distanciarse de unas valoraciones previas sobre la acústica del teatro que llegó a defender en el foro por su confianza en sus amistades, demostrando también sensibilidad, conocimiento y capacidad de discrepancia. Las cenas en su pandilla operística van a empezar a ser muy interesantes, porque antes parecía que era demasiada la homogeneidad de las opiniones. Ojo que con lo de Warlikowsky le pueden llamar hasta gafapasta.

Mi más sincera enhorabuena. Me alegro un montón de lo satisfactorio de la experiencia. Efectivamente ha sido clave saber elegir, porque si en los últimos años le hubiesen dado entradas regaladas para un Holandés descafeinado, o ese horroroso Tannhäuser, la magia del teatro no la habría encontrado por ningún lado, el calor y otras incomodidades habrían ganado terreno, la calidad de los cuerpos estables se hubieran diluido y seguramente estaría proclamando a los cuatro vientos que no volvería a pisar la verde colina ni apuntado con una pistola. Pero Bayreuth es un teatro brutal para potenciar las emociones, para bien y para mal, y cuando surge la magia, esas tardes-noches no se olvidan, y todo lo que lo rodea parece agigantarse. Supongo que te habrás pegado un atracón reconociendo cantantes en las paredes del Eule.

No he escuchado las retransmisiones porque tengo entradas para el 18, (que va ser la buena por el rodaje jeje). Había comentado que no volvería a Bayreuth en los años sin Parsifal, pero por este estreno de Tristan merecía la pena acercarse. Ahora tengo que reconocer que los comentarios de Tunner han aumentado enormemente las ganas de acudir al Festpielhaus.

Mire vuestra merced que aquellos que allí se aparecen no son gigantes, sino simples amantes de la música y lo que en ellos le parecen patas sectarias y complejo de superioridad son simples opiniones volteadas al viento, al menos entre los wagnerianos de este foro.

Pero, vamos, que suscribo el post de LeGou de principio a fin. ¡Ojalá todos los tiffosi estuvieran tan abiertos a la "alianza de civilizaciones"!

Prácticamente obligada la cita (lleno absoluto en el Kursaal) con la versión en concierto de Mendi-Mendiyan, la ópera en euskera de José María Usandizaga, fortísimamente arraigada en San Sebastián (donde la romanza de Joshe Mari y el Ave Maria de la romería integran la identidad y el imaginario colectivo de la ciudad), y que en el centenario de la muerte del compositor, la Quincena Musical no podía menos que programar.

Decía Ros-Marbà a la prensa que la partitura merece una mucho mayor difusión y conocimiento. Es cierto: la rica inventiva melódica de Usandizaga supera las limitaciones de un libreto concebido como una pastoral muy maniquea y localista. Pero también es cierto que, en ese sentido, la obra no alcanza la belleza exuberante de La Llama, y sobre todo, que una divulgación más amplia de la obra ha de pasar forzosamente por ejecuciones de mayor calidad que la ofrecida en la Quincena, donde apenas se rebasó una generosa medianía.

Antoni Ros-Marbà es un admirable profesional que cuida y mima la música que hace, y su esmero en favor de la partitura resultó muy patente. Pero la Orquesta Sinfónica de Euskadi, que tiene muy buenos atriles en la cuerda (encargada de las continuas reexposiciones del tema de Joshe Mari, fundamental de la obra) y el viento madera (precioso el momento de flautas en el tercer acto), aunque quizá no tanto en el viento metal, si bien rebosó profesionalidad, no teminó de "hacerse" con la obra, equilibrarla y buscarle un sentido colectivo. Es posible que la edición ad hoc de la partitura para este concierto (así fue anunciado), con la primicia que ello implica, tuviera que ver con todo ello.

El tremendo papel de Andrea, que abre la ópera despertándose abruptamente de una pesadilla y la cierra con un largo epílogo a la memoria de su amado, exhibió todas las virtudes, pero también todos los problemas, de Arantza Ezenarro. El centro es bonito, el legato es de calidad, y aunque la presencia de la orquesta en el mismo escenario no la beneficiaba, el material es significativo. Hizo frases muy hermosas, aunque teatralmente bastante inertes, en los momentos más reposados de su papel: sus solos y sus escenas con Txiki y con su abuelo. Pero en los momentos de mayor tensión dramática (y mayor orquestación) su canto se disipaba, y sobre todo, el agudo se le descontrola de afinación con gran frecuencia. Así, el retrato que ofreció de la pastora protagonista fue bastante incompleto.

Miguel Borrallo se redimió, en un acto tercero bien cantado y fogoso (y donde dio los únicos momentos de cierta teatralidad de la noche) de una primera parte olvidable, donde la voz no terminaba de estar, se nasalizaba y generaba sonidos muy ingratos. La romanza de Joshe Mari en el acto II resultó completamente anónima (con algún ataque rozando el infortunio) y eso, si en cualquier lugar es una pena, en San Sebastián es un pecado. (No puedo dejar de citar el inmarcesible recuerdo de la electrizante versión de esta pieza que Plácido Domingo dio en la misma ciudad, hace exactamente 25 años).

Muy correcta Olatz Saitua, quizá con el menor instrumento y la mejor proyección de todo el reparto, y apropiadas las voces graves, donde merece destacar la buenísima labor de José Manuel Díaz como Juan Cruz, el cual se defendió muy bien de una tesitura llena de trampas. Le faltó, eso sí, diferenciar tan bien como la mayoría de sus compañeros los sonidos |z|, |s|, |x|, |tz|, |ts| y |tx|, que en euskera son seis fonemas distintos.

En un momento en el que todos los coros aficionados del país, con contadísimas excepciones, andan justitos de efectivos, sobre todo masculinos, el Coro Mixto Easo (sic) se reproduce por esporas. Al principio yo pensé que era como un auzolan (que pegaba mucho con la obra), tipo ir donde los colegas en plan "¿Sabes decir Korrika bide txigorretatik erromerira etorri gera? ¿Te vienes a hacer una ópera?", pero no. Son esporas. Porque tanto tanto tanto es imposible. ¿Cien personas, CIEN (yo conté 98, pero yo soy de letras), para hacer (y no muy allá) la romería de Mendi-Mendiyan? ¿En serio? Además, quitando algún agudo mejorable, las (52) mujeres cumplieron con su melodía, pero en el conocidísimo (y comprometidísimo) Ave Maria, Ros-Marbà, supongo que en socorro de unos tenores in palese difficoltà, que diría Elvio, escogió un tempo absurdamente frenético (la introducción del órgano parecía un estudio de Czerny) y un estilo miniaturista y abstracto que eliminaba toda la imponente religiosidad de la pieza a cambio de un preciosismo historicista, a mi modo de ver, muy inapropiado. Y desde luego, totalmente incongruente con el empleo de cuarenta y seis hombres para hacerlo.

En suma, un Mendi-Mendiyan sin una protagonista completa, sin romanza de Joshe Mari y sin Ave María. Había que ir, y fuimos. Y la obra, desde luego, merece ser mucho más escuchada. Pero también mejor hecha.

Gracias por este paseo por andurriales que no frecuento.

¿Cuántas cosas de interés no habrá en las artes que apenas dejamos que asomen la patita? Como si anduviésemos sobrados.

Como decía Zorrilla (otro condenado por los desconfiados):
El mundo duerme imbécil,
vacilan las estrellas,
en torno a las botellas
venid a delirar.
(Pero, la verdad, qué malo era Zorrilla cuando quería).

Quizás solo se trate de hacer participe a los que son y los que han sido partícipes del Easo de un acontecimiento especial, aprovechando las fechas estivales. En el caso de los hombres eso se produce en un 99%; el porcentaje apenas supera el 50% en el caso de ellas. Quizás solo se trate de aprovechar el impulso de una ola (este año Mendi mendiyan o la Tosca, otros años otros conciertos significativos, como pudo ser el dirigido por Valery Gergiev) para mantener y/o fortalecer un vínculo en torno a la música, vínculo que como usted bien sabe, hoy por hoy es muy difícil mantener vivo y constante. Coincido más en el desacertado nombre "Coro Mixto Easo", donde parece pervivir más la inercia tribal que el deseo por la correcta definición de las cosas, pero quizás solo se trate de que cada uno es prisionero de su propia historia.

En cuanto a la calidad de la interpretación, le tengo por hombre con criterio propio.

A ver si alguno de los muchos asistentes al Trovador de Coru, se anima a realizar una crítica o crónica como les gusta decir en el foro y yo puntualizo, que tengo una galvana y pereza tremenda para realizar una a la altura de Tunner. El peso de la púrpura no le permite a uno ser mediocre ni aliviarse con faenas de aliño.

La dicotomía es muy fácil: Un trovador de Chernienko u otro genio actual de la regia que cobra más que todo el reparto junto, en el que veríamos a los cuatro protagonistas (cantados por Pelé, Melé y el palo de la escoba), sentados alrededor de una mesa camilla y una silla en el vértice del escenario y una producción que cuesta cuatro perras, que no inventa dramaturgia paralela alguna, que a cualquiera que se asomare a la sala no le asaltaría duda alguna de que estamos viendo Il Trovatore cantado por, con todos los defectos, un reparto a nivel Mundial de lo que hoy día se dispone en plena edad de hojalata del canto.

Cada uno, que elija su opción. La mía está clara y la del público que abarrotó el Sábado el Palacio de la Ópera de La Coruña y ovacionó de manera atronadora la interpretación, también. Esperemos que al director artístico, D. César Wonemburger, le sigan permitiendo aplicar este concepto operístico que tantos compartimos y tan buen resultado está dando en la ciudad herculina. No estaría mal que la voraz intelligentsia y la estulticia filosnobista nos dejara un reducto, que ya reinan en todo el Mundo.

Completamente de acuerdo.
El sábado disfruté de una muy buena noche de ópera.
Todos teníamos claro lo que estábamos viendo: que la acción se desarrollaba en el siglo XV en Aragón y Vizcaya (nada de la Italia de finales del XIX ni otras locuras). Allí no había ni pistolas ni iPads. Se veían espadas y un vestuario adecuado a la acción y la época en que esta se desarrolla.
El quinteto solista más que sobrado para lo que hoy día se escucha en esos teatros del mundo. De acuerdo: allí no estaban ni Cappuccilli, ni Kabainvanska, ni Price, ni Obratzsova, ni Cossotto, ni Domingo (el de la grabación con Mehta y el vídeo con Karajan) pero ya digo, más que sobrado.
Lo dicho, una muy buena noche de ópera.

Si la cosa sigue así, seguiremos visitando Coruña.